https://www.culturall.de/kultur/wien/auffuehrungen/impulstanz.wien/kulturtermine.html jährlich von Juli bis August de-de Sat, 13 Jun 2026 21:35:50 GMT Sat, 13 Jun 2026 21:35:50 GMT infoservice@CULTURall.de Ereignisse http://www.culturall.de/favicon.ico http://www.culturall.de
Genug mit der düsteren Stimmung! Zusammen mit zehn Tänzer:innen probt Christos Papadopoulos einen Aufstand der Hoffnung gegen die deprimierende Realität unserer Tage. Dafür greift der gefeierte griechische Choreograf auf Erinnerungen an den „stürmischen, ungeschliffenen Schritt“ seiner Jugendjahre zurück, an „die Lebenslust, die Geschwindigkeit, den unerschütterlichen Tatendrang und das Gefühl, dass alles möglich war“. Beeinflusst von Mikis Theodorakis’ monumentalem Musikwerk Axion Esti („Gepriesen sei“) aus dem Jahr 1964 zur gleichnamigen Dichtung von Odysseas Elytis, spürt Papadopoulos mit seinem Ensemble die Wahrheit, Dynamik und Courage des Jungseins auf. Dabei verschmelzen die Tanzenden mit ihren präzise komponierten Bewegungen zu einem kollektiven Körper. Das ist als Inspiration für uns alle gedacht. Papadopoulos erinnert an einen Impuls des Aufbruchs. Dafür setzt er den Tanz im Rückgriff auf jenes „furchtlose Selbstvertrauen“ ein, das eine Welt hervorbringt, in der „wir so leben, wie wir es wollen und verdienen“.

Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.
Die Präsentation der Performance wurde durch das Onassis Stegi Touring Programme unterstützt.

Konzept und Choreografie: Christos Papadopoulos
Choreografische Assistenz: Sevasti Zafeira
Mitarbeit und Performance: Themis Andreoulaki, Maria Bregianni, Amalia Kosma, Georgios Kotsifakis, Sotiria Koutsopetrou, Tasos Nikas, Spyros Ntogas, Ioanna Paraskevopoulou, Danae Pazirgiannidi und Adonis Vais

Dramaturgische Beratung: Alexandros Mistriotis
Originalmusik: Kornilios Selamsis
Associate Composer: Jeph Vanger
Bühnenbild: Clio Boboti
Assistenz Bühnenbild: Aggeliki Vasilopoulou-Kampitsi
Kostümdesign: Maria Panourgia
Assistenz Kostümdesign: Panayiotis Renieris
Lichtdesign: Stefanos Drousiotis
Stimmtraining: Apostolis Psichramis

Koordination und Line Production: Zoe Mouschi – Rena Andreadaki
Leitung Licht (Tour): Giorgos Ierapetritis
Leitung Bühne (Tour): Marilena Kalaitzantonaki und Aggeliki Vasilopoulou-Kampitsi
Ton: Kostis Pavlopoulos
Tourmanagement: Konstantina Papadopoulou

Ein Projekt von Christos Papadopoulos // The Lion and the Wolf.

Besonderer Dank an Euripides Laskaridis, Sotiris Melanos und Filanthi Bougatsou.

In Auftrag gegeben und produziert von Onassis Stegi (GR).

Mit Unterstützung von Dance Reflections by Van Cleef & Arpels.

Koproduktion: Theatre de la Ville – Paris (FR), Julidans (NL), Romaeuropa Festival (IT), Theatre d’Orleans / Scène Nationale (FR), LAC Lugano Arte e Cultura (CH), December Dance Concertgebouw Brugge (BE), One Dance Festival (BU), Festival de Marseille (FR) und I Teatri di Reggio Emilia (IT).

Unterstützt durch das Onassis Stegi Touring Program (GR).

Mit finanzieller Unterstützung des Griechischen Kulturministeriums (GR).

Dauer: 60 Min

Preise: 8 / 11 / 17 / 28 / 42 / 54 / 68 Euro
Ermäßigt: 6 / 9 / 14 / 23 / 35 / 45 / 57 Euro

Empfohlen ab 14 Jahren.

Diese Performance enthält Stroboskop-Effekte.]]> Thu, 9 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255003&aktuell=true seg255003-1783623600@culturall.de
Einem nackten Mann bleibt der Mund offen. Fassungslos beginnt er sich zu bewegen, angetrieben von verborgenen Gefühlen. Wer den französischen Choreografen Boris Charmatz kennt, wird annehmen, dass diese Gefühle explosiv sein könnten. Und dass sie in dem intimen Setting seines zweiten Solowerks ihr Publikum ganz sicher nicht kalt lassen werden. Vor drei Jahren hat Charmatz Somnole, sein erstes Solo nach dreißig Jahren einer außergewöhnlichen künstlerischen Karriere, bei ImPulsTanz präsentiert: ein Stück über die inneren Regungen im Zustand der Schläfrigkeit, in dem das Unbewusste den Körper zum Tanzen bringt. Jetzt, sozusagen im Sequel, bewegt er sich wieder instinktgetrieben. Diesmal jedoch hellwach, verletzlich und verstohlen durch eine Sprachlosigkeit nahe am Atemstillstand, in Stille. Wie in einem Drama, dessen Text gelöscht wurde.

Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.
Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Choreografie und Performance: Boris Charmatz
Choreografische Assistenz: Magali Caillet Gajan
Licht: Yves Godin
Technische Leitung: Fabrice Le Fur
Stellvertretende Direktion Terrain: Hélène Joly
Produktionsleitung: Martina Hochmuth und Lucas Chardon
Produktionsmanagement: Briac Geffrault
Produktionsassistenz: Lola Serre

Produktion und Distribution: Terrain

Unterstützt durch Dance Reflections by Van Cleef & Arpels.

Koproduktion: Cango Centro produzione della danza Firenze (IT), CND Centre national de la danse (FR), Chaillot – Théâtre national de la Danse (FR), Charleroi danse (BE), ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival (AT), Kunstenfestivaldesarts Brussels (BE), MC93 – Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis (FR), le phénix – scène nationale de Valenciennes (FR), Romaeuropa Festival (IT), Sadler’s Wells (UK), Tainan Arts Festival (TW) und Tanztheater Wuppertal Pina Bausch (DE)

Gefördert durch Chartreuse de Villeneuve lez Avignon – Centre national des écritures du spectacle (FR) und mit der Unterstützung von Briqueterie CDCN du Val-de-Marne (FR), Centre Pompidou – Metz (FR), Espace Pasolini (FR) und le Gymnase CDCN – Roubaix Hauts-de-France (FR).

Dauer: 50 Min

Preise: 30 Euro
Ermäßigt: 25 Euro

Empfohlen ab 16 Jahren.

Diese Performance enthält Nacktheit.]]> Fri, 10 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255002&aktuell=true seg255002-1783710000@culturall.de Photo/Copy/Archive hat der Künstler sich Performanceposter aus 80 Jahren des Sadler’s Wells Theatre in London vorgenommen und aus ihnen diese „meisten Tänzer“, von denen Reinking sprach, ausgestochen, in Teile zerlegt und zu ganz anders gearteten Wesen neu zusammengesetzt. Das Ergebnis – ein persönliches, alternatives Archiv – stellt unsere Ideen markt- und tanzfähiger Körper spielerisch in Frage.

Eintritt frei

Geöffnet je eine Stunde vor Beginn der Performances im Odeon.]]> Sat, 11 Jul 2026 16:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255578&aktuell=true seg255578-1783785600@culturall.de
Eine Frau mit feuerroter Perücke kriecht in Fischerstiefeln und schwarzem Ganzkörpertrikot über den Boden. Später spielt dieselbe Frau, jetzt in hellblauen Stilettostiefeln, mit einem Staubsaugerroboter, in einer weiteren Szene singt sie mit über den Kopf gezogener Pudelmaske Brian Hylands Song Sealed With A Kiss. Eine geheimnisvolle Figur, die ihre Outfits so wechselt, dass ihre Erscheinung in gefährlicher Klischeegeladenheit immer erotischer wird. Wohin das führt, legt Alexandra Bachzetsis in diesem Solo dar. Unter den Vorzeichen von Autofiktion, Selbstdokumentation und Autoerotik konzentriert sich die Schweizerin auf popkulturelles Ausgangsmaterial für Expressivität, Identifikation und Begehren. Dabei untersucht sie, wie kommerzielle Genres und die Künste einander gegenseitig im Einsatz von Gestik und Bewegung beeinflussen.

Konzept, Choreografie und Performance: Alexandra Bachzetsis
Konzept und Dramaturgie: Dorota Sajewska
Texte: Lee Lozano © The Estate of Lee Lozano. Courtesy Hauser & Wirth
Konzeptuelle Beratung: Stephen Thompson
Bewegungsregie: Agnieszka Sjökvist Dlugoszewska
Musikalische Komposition und Sound: Alban Schelbert
Bassklarinette: Florian Walter
Kostüme: Laurent Hermann Progin
Bühnenbild: Alexandra Bachzetsis und Ivan Wahren
Licht und Video: Ivan Wahren
Technische Leitung: Ivan Wahren und Patrick Rimann
Produktion und Studiomanagement: Caroline Krieg / All Exclusive

Studio, Archiv und Kommunikation: Jean-Marie Fahy
Touring: Caroline Krieg

Unterstützt durch die Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia (CH), Fachstelle Kultur Kanton Zürich (CH), Stadt Zürich Kultur (CH), Erna und Curt Burgauer Stiftung (CH), Ernst Göhner Stiftung (CH), E. und O. Gubler-Halblützel Stiftung (CH), Landis & Gyr Stiftung (CH) und Dr. Georg und Josi Guggenheim-Stiftung (CH).

Koproduktion: Centre Pompidou und Centre Culturel Suisse Paris (FR), Kaserne Basel (CH), Arsenic Centre d’art scénique contemporain Lausanne (CH), Kunsthaus Zürich (CH) und Theaterhaus Gessnerallee Zürich (CH)

Dauer: 60 Min

Preise: 28 Euro
Ermäßigt: 23 Euro

Empfohlen ab 16 Jahren.

In englischer Sprache.

Diese Performance enthält Nacktheit, Stroboskop-Effekte und laute Geräusche.]]> Sat, 11 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255569&aktuell=true seg255569-1783789200@culturall.de
Ursprünglich war die Nymphe Echo eine Geschichtenerzählerin: Von Zeus erhielt sie den Auftrag, dessen Gattin Hera abzulenken, damit sich der Göttervater in Ruhe seinen Affären widmen konnte. Als Hera dies durchschaute, traf ihr Zorn ausgerechnet die Nymphe: Sie nahm Echo ihre Sprache. So konnte diese auch die Worte des schönen Narziss nur stumpf wiederholen, anstatt eigene zu finden, um ihm ihre Liebe zu gestehen. Vor Kummer verkam sie zur selbst- und ausdruckslosen Stimme. In ihrem anmutigen Solo gibt Performerin und Choreografin Taous Bertrand der Nymphe nun die Fähigkeit zurück, sich zu erzählen: nicht mit Worten, sondern mit dem Körper. Eine tänzerische Selbstermächtigung und -schöpfung, in der Bertrand, die auch Literatur und Philosophie studiert hat, Echos Mythos als transfeminine Erfahrung begreift.

Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Konzept, Choreografie und Performance: Taous Bertrand
Sound: Thélia Merchadou-Pineau
Bühnenbild: Anousha Mohtashami
Video: Pierre Guais
Licht: Taous Bertrand
Choreografische Beratung: Laurent Chetouane und Dylan Guzowski
Text: Théo Casciani
Kostüme: Constance Tabourga
Zusätzliche Musik: Unpretty von TLC und Nothing But Paradise mit freundöicher Genehmigung des Dichters Li-Young Lee

Produktion: RADAR
Executive Production: Latitudes Prod. – Lille / Luciole Duvivier

Koproduktion: KLAP Maison pour la danse, Marseille (FR), Le Carreau du Temple (FR), Centre Chorégraphique National de Créteil et du Val-de-Marne | EMKA, im Rahmen des Accueil-studio / Ministère de la Culture (FR), und CCN-Ballet National de Marseille, im Rahmen des Accueil-studio / Ministère de la Culture (FR)

Unterstützt durch DRAC Nouvelle-Aquitaine im Rahmen des Fonds SACD Musique de scene (FR) und SPEDIDAM (FR) – SPEDIDAM ist eine kollektive Organisation, die sich für die Rechte von Performancekünstler:innen in allen Sparten einsetzt.

Residencies: Centre National de la Danse, Pantin (FR), und Ménagerie de Verre, Paris (FR)

Dauer: 45 Min

Preise: 24 Euro
Ermäßigt: 20 Euro

Mit englischen und französischen Übertiteln.]]> Sat, 11 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255674&aktuell=true seg255674-1783796400@culturall.de Sun, 12 Jul 2026 14:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255679&aktuell=true seg255679-1783864800@culturall.de Lateral Pass (1983), Carmen (1986), Newark (Niweweorce) (1987), Astral Convertible (1989), Foray Forêt (1990) und Astral Converted (1991). 1993 ernannte Trisha Brown Lucas zu ihrer choreografischen Assistentin, bis sie 2013 stellvertretende künstlerische Leiterin der Compagnie wurde. Als choreografische Assistentin spielte Lucas eine wesentliche Rolle in Browns Schaffen für Tanz und Oper gleichermaßen. Sie arbeitete u. a. mit an Stücken wie dem Duett You can see us (1995) mit Bill T. Jones und später mit Mikhail Baryshnikov, sowie an Monteverdis Orfeo (1998) bis hin zu Winterreise (2002) mit Simon Keenlyside und Rameaus Pygmalion (2010) mit William Christie und Les Arts Florissants beim Festival d’Aix, Holland Festival und Athens Festival. Carolyn Lucas war ebenso an Trisha Browns letztem Werk für das Ensemble, I’m going to toss my arms – if you catch them they’re yours (2011) beteiligt, uraufgeführt im Théâtre National de Chaillot in Paris.
Neben der Unterstützung bei neuen Choreografien, der Probenleitung der Compagnie und der Neuinszenierung bestehender Choreografien mit den aktuellen Tänzer:innen, wie bei diesem Abend, hat Lucas Projekte auf der ganzen Welt geleitet, darunter für The New School in NYC, P.A.R.T.S. in Brüssel und das Ballett der Pariser Oper. Derzeit dokumentiert Lucas Browns Werk für das Trisha Brown Archive.

Dauer: 60 Min

Kurier im Gespräch mit Carolyn Lucas, Associate Artistic Director der Trisha Brown Dance Company und Werner Rosenberger.]]> Tue, 14 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255656&aktuell=true seg255656-1784048400@culturall.de
Vor über zehn Jahren traf der französische Choreograf Mickaël Phelippeau die beiden Performerinnen in einem seiner Workshops. Seitdem sprachen sie viel über die unterschiedlichen Erfahrungen, welche die Frauen im Tanz gemacht haben: Alice hat Down-Syndrom, Françoise gilt als „ablebodied“ – selbstverständlich eine schwere Verkürzung der vielgestaltigen Fähigkeiten der zwei Tänzerinnen. Im tänzerischen Duett und im verbalen Dialog erkunden sie ihre Verschiedenheiten und Gemeinsamkeiten mit großer Behutsamkeit, aber auch Wut. Ein Stück, das sie mitunter „an unbekannte und einschüchternde Orte“ (Françoise) führt, „damit Leute wissen, wer wir sind“ (Alice).

Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Choreografie: Mickaël Phelippeau
Performance: Alice Davazoglou und Françoise Davazoglou
Unter Beteiligung von Agathe Lacorne
Dramaturgische Zusammenarbeit: Anne Kersting
Lichtdesign: Abigail Fowler
Lichttechnik: Antoine Crochemore
Sound: Laurent Dumoulin
Kostüme: Karelle Durand
Audiodeskription und Stimmaufnahme: Valérie Castan
Produktionsvorbereitung: Fabrik Cassiopée – Isabelle Morel
Produktion, Distribution und Administration: Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Pauline Delaplace und Isabelle Morel

Dank an: Yohan Chambonneau und Florian Laze, La Pratique, atelier de fabrique artistique – Vatan und La Spirale de Caroline – Olivia Grandville

Executive Production: bi-p

Koproduktion: L’échangeur, CDCN Hauts de France (FR), Atelier de Paris – CDCN (FR), Espace 1789 – scène conventionnée danse de Saint Ouen (FR), Les Quinconces L’espal – Scène nationale du Mans (FR), Scène nationale d’Aubusson (FR), Entresort/Centre national pour la création adaptée (FR) und La Filature – scène nationale de Mulhouse (FR)

Mit der Unterstützung von La Pratique, atelier de fabrique artistique – Vatan (FR)

Dauer: 60 Min

Preise: 30 Euro
Ermäßigt: 25 Euro

In französischer Sprache mit englischen Übertiteln.]]> Tue, 14 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255662&aktuell=true seg255662-1784048400@culturall.de
Ganze vier Mal war er auf der Kasseler documenta vertreten, er deckte ein breites künstlerisches Spektrum ab und hatte eine besondere Beziehung zu Tanz und Happening: Vergangenen Oktober hätte Robert Rauschenberg seinen Hundertsten gefeiert. Anlass genug für die New Yorker Trisha Brown Dance Company und den Merce Cunningham Trust, ihn doppelt hochleben zu lassen. In Browns luftig und schwungvoll getanztem Stück Set and Reset (1983) ließ Rauschenberg Film-Footage inklusive Aufnahmen der NASA über eine Hintergrund-Installation flimmern und kleidete die Tänzer:innen in mit Fotomotiven bedruckte Kostüme. Für die Musik sorgte Laurie Anderson (Long Time No See), bei der Premiere tanzte Brown selbst mit. Und Cunningham? Viele hätten ihm die Komik, mit der er seine acht Figuren in Travelogue (1977) tanzen lässt, vielleicht gar nicht zugetraut. Den passenden Sound-Witz dazu liefert John Cages Komposition Telephones and Birds. Dazu entwarf Rauschenberg bunte Ganzkörpertrikots für die Tänzer:innen und stattete die Szene mit Stoffen, Dosen und einer Sessel-Räder-Reihe aus. Ein grandioser Abend, der alles feiert, was die (post)modernen Künste zu bieten haben!

Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.

Set and Reset
Choreografie: Trisha Brown
Musik: Laurie Anderson – Long Time No See
Originaldesign und Kostüme: Robert Rauschenberg
Lichtdesign: Beverly Emmons
Choreografische Umsetzung: Carolyn Lucas mit Cecily Campbell, Marc Crousillat und Jamie Scott
Beratung für Design- und Produktionsrekonstruktion: Jessie Ksanznak und Nick Kolin
Rekonstruktion Bühnenbild: Lawrence Voytek und ShowFab
Rekonstruktion Kostüme: Amanda Kmett’Pendry, Dyenamix Inc. und Zarah Green
Performance: Savannah Gaillard, Burr Johnson, Catherine Kirk, Ashley Merker, Patrick Needham, Jennifer Payán und Spencer Weidie

Set and Reset wurde erstmals am 20. Oktober 1983 von der Trisha Brown Dance Company im Rahmen des Next Wave Festival an der Brooklyn Academy of Music (US) aufgeführt.
Originalbesetzung: Trisha Brown, Iréne Hultman, Eva Karczag, Diane Madden, Stephen Petronio, Vicky Shick und Randy Warshaw

Travelogue
Choreografie: Merce Cunningham
Musik: John Cage – Telephones and Birds
Originaldesign und Kostüme: Robert Rauschenberg
Choreografische Umsetzung: Marcie Munnerlyn und Andrea Weber
Musikalische Leitung und Adaption von Telephones and Birds für mobile Geräte: Adam Tendler
Beratung für Design und Produktion: Davison Scandrett
Rekonstruktion Bühnenbild: Mrinali Thanwani, Bland Wade und Kris Julio von der UNCSA School of Design and Production (US); Rekonstruktion des Segels von Rose Brand
Rekonstruktion Kostüme: Earlene Munnerlyn und Marissa McCullough
Rekonstruktion Lichtdesign: Davison Scandrett und Joe Levasseur
Performance: Savannah Gaillard, Burr Johnson, Claude Johnson, Catherine Kirk, Ashley Merker, Patrick Needham, Jennifer Payán und Spencer Weidie

Travelogue wurde erstmals am 18. Januar 1977 von der Merce Cunningham Dance Company im Minskoff Theatre in New York City (US) aufgeführt.
Originalbesetzung: Karole Armitage, Ellen Cornfield, Merce Cunningham, Morgan Ensminger, Meg Harper, Chris Komar, Robert Kovich und Julie Roess-Smith

Travelogue (1977) von Merce Cunningham, Merce Cunningham Trust. Alle Rechte vorbehalten.

Dancing with Bob: Rauschenberg, Brown and Cunningham Onstage wird großzügig unterstützt von Dance Reflections by Van Cleef & Arpels, Robert Rauschenberg Foundation, The Imperfect Family Foundation, The Wattis Family, The Dedalus Foundation, Bloomberg Philanthropies, The Gladys Krieble Delmas Foundation, der James E. Robison Foundation, The Jerome Robbins Foundation und der Chicago Community Foundation (US). Mit zusätzlicher Unterstützung von Ken Tabachnick und Yael Mandelstam, Thomas und Lily Beischer, Bill Goldston und Riccarda De Eccher, Larry und Julia Antonatos sowie Molly und Michael Rowen von Michael’s Motor Cars, Lancaster, PA (US).

Besonderer Dank an Ken Tabachnick für die Entwicklung dieses Programms; Andrea Weber, Rashaun Mitchell und Patricia Lent vom Merce Cunningham Trust für ihre Partnerschaft; Courtney J. Martin, Francine Snyder, Kate Reibel, Miriam Master und Anne Boissonnault; sowie an das Team der Robert Rauschenberg Foundation für die Hilfe, diese Vision zum Leben erweckt zu haben.

Dauer: 75 Min (mit 15 Min Pause)]]> Tue, 14 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255031&aktuell=true seg255031-1784055600@culturall.de Die vier Jahreszeiten (1725), und schon gar nicht schwächt es die Dringlichkeit von Problemen wie Erderhitzung und Polareisschmelze. Das gibt der Rückkehr von Il Cimento dell’Armonia e dell’Inventione („Der Wettstreit zwischen Harmonie und Erfindung“) zu ImPulsTanz seine eminente Bedeutung. Diesmal gastiert diese Erfolgsproduktion der belgischen Compagnie Rosas im Burgtheater, und zwar mit Live-Musik des gefeierten siebenköpfigen Ensembles Gli Incogniti inklusive seiner Meisterviolinistin Amandine Beyer. Anne Teresa De Keersmaeker und Co-Choreograf Radouan Mriziga entwickeln so eine brillante und erstaunliche tänzerische Interpretation dieses Klassik-Schlagers vor aktuellem Hintergrund: Durch Vivaldis dekonstruierte Jahreszeiten reisen vier herausragende Tänzer, begleitet unter anderem von einem Gedicht der somalischen Künstlerin Asmaa Jama: „Es ist mitten im Winter und die Sonne geht nicht unter / sie versengt den Boden, / ich sitze auf der Erde / und warte auf die Nacht.“

Konzept, Choreografie, Bühnenbild und Licht: Anne Teresa De Keersmaeker und Radouan Mriziga
Mitarbeit und Performance: Boštjan Antončič, Nassim Baddag, Lav Crnčević und José Paulo dos Santos
Musik: Antonio Vivaldi – Le quattro stagioni und Amandine Beyer / Gli Incogniti
Gedichte: Asmaa Jama – We, the salvage und Antonio Vivaldi – Le quattro stagioni

Live-Musik: Gli Incogniti
Violine solo und musikalische Leitung: Amandine Beyer
Violinen: Alba Roca und Yoko Kawakubo
Viola: Marta Paramo
Violoncello: Patrick Sepec
Theorbe: Nacho Laguna
Violone: Baldomero Barciela Varela
Cembalo: Eloy Orzaiz
Musikalische Beratung: Amandine Beyer

Kostümdesign: Aouatif Boulaich
Kostümkoordination: Alexandra Verschueren
Assistenz Kostümkoordination: Chiara Mazzarolo und Els Van Buggenhout
Technische Leitung: Thomas Verachtert

Probenleitung: Eleni Ellada Damianou
Künstlerische Koordination und Planung: Anne Van Aerschot
Assistenz der künstlerischen Leitung: Martine Lange
Kaufmännische Leitung: Lies Martens
Distribution: Frans Brood Productions

Produktion: Rosas

Koproduktion: Berliner Festspiele (DE), Charleroi danse – centre chorégraphique de Wallonie-Bruxelles (BE), Concertgebouw Brugge (BE), De Munt/La Monnaie (BE), Festival d’Automne à Paris (FR), Festival de Marseille (FR), ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival (AT), Sadler’s Wells (UK) und Théâtre de la Ville-Paris (FR)

Uraufführung: 11. Mai 2024, Rosas Performance Space, präsentiert von De Munt/La Monnaie, Kaaitheater und Kunstenfestivaldesarts (BE)

Mit Unterstützung von Dance Reflections by Van Cleef & Arpels.

Diese Produktion wird mit Unterstützung des Tax Shelter der belgischen Bundesregierung in Zusammenarbeit mit Casa Kafka Pictures (BE) realisiert.

Rosas wird von der Flämischen Gemeinschaft und der Flämischen Gemeinschaftskommission (VGC) (BE) unterstützt.

Gli Incogniti wird von DRAC Nouvelle-Aquitaine (FR), der Région Nouvelle-Aquitaine (FR) und dem Département de la Gironde (FR) unterstützt.

Dauer: 90 Min
Preise: 8 / 14 / 26 / 45 / 58 / 72 / 92 Euro
Ermäßigt: 6 / 11 / 22 / 38 / 49 / 61 / 78 Euro]]> Wed, 15 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255001&aktuell=true seg255001-1784134800@culturall.de
Lisbeth Gruwez, die erst an der Royal Ballet School Antwerpen und später bei P.A.R.T.S., der renommierten Schule Anne Teresa De Keersmaekers, studierte, hat mit allen Größen der belgischen Tanzszene gearbeitet. Inzwischen leitet sie gemeinsamen mit Maarten Van Cauwenberghe ihre eigene Compagnie Voetvolk, die u. a. schon mit dem Stück The Sea Within bei ImPulsTanz gefeiert wurde. In Tempest widmet Gruwez sich mit Martial Arts der Kanalisierung des Zorns, um dessen rohe Energie in fokussierte Stärke umzuwandeln. Schließlich sitzt in dieser Emotion laut Gruwez eine „duale Kraft“, die destruktiv, aber auch Katalysator für einen Wandel sein kann. Die Solistin wagt sich in ihrem Stück als durchlässiger Körper mitten in den Wirbelsturm der Wut, um dort einen Ort zu finden, an dem aufeinanderprallende Elemente zu neuen Formen verschmelzen.

Konzept: Voetvolk
Choreografie und Performance: Lisbeth Gruwez
Musik: Maarten Van Cauwenberghe
Lichtdesign: Jan Maertens
Bühnenbild: ruimtevaarders (Konzept) und Decoratelier KVS (Herstellung)
Kostümherstellung: Eli Verkeyn
Mentoring Martial Arts: Rob Gemmeke
Künstlerische Begleitung: Christine Herman

Mit Dank an Francesca Chiodi Latini und Koen Tachelet

Produktion: Voetvolk vzw (BE)

Koproduktion: December Dance (Concertgebouw Brugge & Cultuurcentrum Brugge) (BE), MA scène nationale – Pays de Montbéliard (FR), Perpodium (BE), POLE-SUD CDCN Strasbourg (FR) und Theater im Pumpenhaus Münster (DE)

Residencies: kunstencentrum BUDA (BE), CENTQUATRE-PARIS (FR), Chang Theatre Bangkok (TH), kunstencentrum nona (BE), POLE-SUD CDCN Strasbourg (FR), Theater im Pumpenhaus Münster (DE), Voetvolk Atelier Rubigny (FR) und WestK Performing Arts Hong Kong (HK)

Internationaler Vertrieb: Materialise – Stéphane Noël

Mit Unterstützung des Tax Shelter der belgischen Bundesregierung und der flämischen Regierung (BE)

Dauer: 55 Min

Preise: 10 / 18 / 26 / 34 / 42 Euro
Ermäßigt: 8 / 15 / 22 / 28 / 35 Euro

Diese Performance enthält Stroboskop-Effekte.]]> Wed, 15 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255032&aktuell=true seg255032-1784142000@culturall.de
Gibt es eine Welt außerhalb der Matrix des Geschichtenerzählens? Natürlich gibt es die, und Elio Gervasi kennt sie ganz genau. In seinem neuen Stück führt er acht Tänzer:innen in die Welten von Trisha Brown und Merce Cunningham. Der Italo-Wiener erinnert daran, dass diese beiden Lichtfiguren der amerikanischen Postmoderne „den Tanz von der Verpflichtung befreit haben, eine Geschichte zu erzählen“. Das macht Platz für ein aus sich selbst Sinn bildendes Zusammenspiel von tanzenden Körpern in Musik, Raum und Zeit. Shifting Lines ist eine Wiederbegegnung von Cunninghams Bewegungskomposition, die auf den Zentralismus einer festgelegten Perspektive verzichtet, und Trisha Browns Bewegungsfluss, in dem eine Geste wie selbstverständlich in die nächste übergeht.

Konzept und Choreografie: Elio Gervasi
Performance: Paula Dominici, Joe La Luzerne, Laura Finocchiaro, Julia Lundberg, Marco Antonio Hernández Rojas, Íris Ásmundar, Benedykt Król und Talitha Maslin
Dramaturgie: Karl Baratta
Musik: Alessandro Vicard
Kostüme: Hanna Hollman und Marco Antonio Hernandez Rojas
Choreografische Assistenz: Julia Lundberg
Licht und Bühnenbild: Leo Kuraite
Bühnenmalerei: Elio Gervasi
Szenisches Design: David Bianchini

Dauer: 75 Min

Preise: 20 / 28 / 38 Euro
Ermäßigt: 17 / 23 / 32 Euro

Empfohlen ab 14 Jahren.]]> Thu, 16 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255673&aktuell=true seg255673-1784221200@culturall.de
Eigentlich plante Ndoho Ange ihr Stück als „Rückkehr“: „Vielleicht auf die Insel meiner Mutter oder ins Land meines Vaters – ein Ursprung, den es wiederzuentdecken gilt. Aber zu dieser Rückkehr sollte es nie so recht kommen.“ Stattdessen scheint sie in Welcome To My Jungle in Schleifen der Erinnerung gefangen; wie in einem Boxkampf, umringt von Publikum und Subwoofern, tritt Ange sich Runde um suchende Runde selbst entgegen. Der multidisziplinären Künstlerin – die nicht nur eine begnadete Tänzerin ist, sondern auch fotografiert, Gedichte schreibt und als Spoken-Word-Artist performt – ist ein mitreißendes, rituell anmutendes Solo gelungen. Dabei gibt No, No, No von Dawn Penn, ein Klassiker der elektronischen „Jungle“-Musik, den bebenden, flirrenden Ton vor.

Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Konzept, Choreografie und Performance: Ndoho Ange
Musik: Deepnathy
Licht: Ndoho Ange in Zusammenarbeit mit Emile Bagbonon (Les Laboratoires d’Aubervilliers)
Distribution und Touring: partner in crime
Executive Production: Les Laboratoires d’Aubervilliers

Dauer: 50 Min

Preise: 24 Euro
Ermäßigt: 20 Euro

Diese Performance enthält laute Musik.]]> Thu, 16 Jul 2026 20:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255663&aktuell=true seg255663-1784233800@culturall.de
Die Verwandlung ist in den Arbeiten Akemi Takeyas ein wiederkehrendes Motiv. Auch ihr neuestes Stück spielt sich in den Dunkelzonen unserer Wahrnehmung ab, in Zwischenzuständen und hybriden Ausdrucksformen. Es setzt die Beschäftigung der Künstlerin mit dem von ihr geprägten „Lemonismus“ fort, einer performativen „Toolbox“, mittels derer Takeya zentrale Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts neu interpretiert. In L’s Uncanny widmet sich die schillernde Performerin dem Surrealismus – mithin den unbekannten Ängsten unseres Unterbewusstseins. Wir erleben ein „Laboratorium des Automatismus“.

Dauer: 60 Min

In englischer, deutscher und japanischer Sprache.]]> Fri, 17 Jul 2026 15:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255568&aktuell=true seg255568-1784300400@culturall.de SPOTSHOTBEUYS bezog sie sich auf Joseph Beuys’ Kojoten-Experiment I like America and America likes Me, jetzt spielt sie auf Carolee Schneemanns Performance Up to and Including Her Limits sowie auf Martha Roslers Semiotics of the Kitchen, beide aus den 1970er Jahren, an. Damit zeigt sich Grabinger, die einstige Breakdancerin und Akrobatin beim Cirque du Soleil, abermals als Spezialistin für so aufregende wie unheimliche Interaktionen zwischen Körper, Choreografie und Robotik.

Konzept, Idee, Choreographie und Performance: Silke Grabinger
Probenleitung: Kirin España
Produktionsleitung: Julia Lehner
Choreografische Beratung: Gergely Dudás
Dramaturgie: Silke Grabinger und Ludwig Felhofer
Kostüm: Bianca Fladerer
Szenografie, Sound und Licht: Max Windisch-Spoerk und Silke Grabinger
Company Management: Amabel Thomas
Marketing und PR: Julia Lehner
Produktionsteam: Veronika Selinger und Christina Zoulianiti
Robotics: ARS Electronica Center Linz
Video: Karol Kensy
Fotos: Meinrad Hofer
Outside Eyes: Martina Mara, Stephanie Meisl und Barbara von Rechbach

Eine Zusammenarbeit zwischen Silke Grabinger, dem Zirkus des Wissens und der Johannes Kepler Universität Linz (AT).

Mit freundlicher Unterstützung des ARS Electronica Centers Linz (AT), der Fondazione Bonotto / Patrizio Peterlini (IT), der Abteilung für Visuelle Kommunikation der Kunstuniversität Linz (AT) und der Sigmund Freud Privatuniversität Linz (AT).

Eine SILK Fluegge Produktion, gefördert durch die Stadt Linz (AT), Kulturland Oberösterreich (AT) sowie dem Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport (AT).

Dauer: 50 Min

Preise: 28 Euro
Ermäßigt: 23 Euro

Empfohlen ab 18 Jahren.

Diese Performance enthält Nacktheit, Stroboskop-Effekte und laute Musik.]]> Sat, 18 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255671&aktuell=true seg255671-1784394000@culturall.de
„Changes are shifting outside the word“ („Veränderungen geschehen außerhalb des Wortes“), heißt es in Annie Lennox’ melancholisch-hypnotischem No More “I Love You’s”. Sie geschehen in der Zone des Ungesagten, im Körper, eher noch: zwischen Körpern. CUTE & AWKWARD begegnen sich die Performer in Wojciech Grudzińskis „Solo für zwei“, das sich neben Lennox auch „Fantom“, die erste schwule Cruising-Bar im postkommunistischen Warschau, als kulturellen Referenzpunkt nimmt. Die Tanzfläche wird zum Verhandlungsort zwischen träumerischer Flucht in die Zweisamkeit und dem magnetischen Sog gesellschaftlicher Umstände: „Wie verschwinden und zur selben Zeit präsent bleiben?“ Gemeinsam mit Co-Performer Lucas Lagomarsino kreiert Grudziński eine Choreografie, die „eher einer Geste des Bewegt-Werdens als des Sich-Bewegens“ folgt.

Konzept, Choreografie und Performance: Wojciech Grudziński
Künstlerische Zusammenarbeit und Performance: Lucas Lagomarsino
Künstlerische Zusammenarbeit: Igor Cardellini
Dramaturgie: Miguel Melgares
Text: Maria Magdalena Kozłowska
Video: Rafał Dominik
Licht: Jacqueline Sobiszewski
Musik und Sound: Wojtek Blecharz

Produktion: Frascati

Koproduziert vom Adam Mickiewicz Institut (PL)

Unterstützt durch das Ministerium für Kultur und nationales Erbe (PL)

Dauer: 60 Min

Preise: 24 Euro
Ermäßigt: 20 Euro

Mit englischen Übertiteln.

Diese Performance enthält Theaternebel, Stroboskop-Effekte und laute Musik.]]> Sat, 18 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255678&aktuell=true seg255678-1784394000@culturall.de
Regie und Choreografie: Wim Vandekeybus
Performance: Cola Ho Lok Yee, Paola Taddeo, Adrian Thömmes, Hakim Abdou Mlanao, Lotta Sandborgh, Alessia Lanotte, Cory Hugo Milan, Faustino Blanchut, Koen Kaya Eye und Nikoletta Polyzoi
Originalmusik: Thierry De Mey und Peter Vermeersch
Konzept und Umsetzung Tablemusic (Bis): Thierry De Mey
Probenleitung: Eduardo Torroja
Kostümdesign: Isabelle Lhoas
Kostümassistenz: Simon Perotti
Technik: Schröder und Pepijn Mesure
Produktion: Heleen Schepens und Kenneth Raemaekers
Distribution: Julia Bouhjar
Toningenieure EIC: Clément Marie und Yann Bouloiseau

Koproduktion: Philharmonie de Paris (FR), Scène Nationale de Maubeuge (FR) und KVS Brussels’ Flemish City Theatre (BE)

Ko-Leitung: Ircam-Centre Pompidou und Philharmonie de Paris im Rahmen von ManiFeste-2026, Ircam Festival (FR)

Präsentationspartner:innen: Philharmonie de Paris (FR), Romaeuropa Festival (IT), L’Onde Théâtre Centre d’Art (FR), Théâtre des Salins – Scène nationale de Martigues (FR), Teatro della Tosse (IT), Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg (LU), Le Manège Maubeuge – Scène nationale (FR), Concertgebouw Brugge (BE), CCHA – Cultuurcentrum Hasselt (BE), STUK – House for Dance, Image & Sound (BE) und La Monnaie / De Munt (BE)

Mit Unterstützung des Tax Shelter der Belgischen Regierung (BE)

Ultima Vez wird von der Flämischen Gemeinschaft und der Flämischen Gemeinschaftskommission (VGC) (BE) unterstützt.

Dauer: 90 Min

Preise: 8 / 11 / 17 / 28 / 42 / 54 / 68 Euro
Ermäßigt: 6 / 9 / 14 / 23 / 35 / 45 / 57 Euro

Empfohlen ab 12 Jahren.

Diese Performance enthält laute Geräusche.]]> Sat, 18 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255034&aktuell=true seg255034-1784401200@culturall.de
Mit dem aktuellen Hype um den Mond – absolvierte Umrundung, anvisierte Landung, geplante Mondstation – ist dieses Duett so gar nicht geistesverwandt. Schon vor mehr als zwei Jahren haben die belgische Tanzgröße Anne Teresa De Keersmaeker und der libanesische Theaterexperimentator Rabih Mroué in einem intensivem Austauschprozess zu Fragen, Gedanken und Zweifeln über Leben, Kunst und Politik an diesem Projekt zu arbeiten begonnen. Uraufgeführt beim Pariser Festival d’Automne, kommt A little bit of the moon jetzt auch nach Wien, wo das Publikum im Arsenal erleben kann, wie die beiden ihre künstlerischen Universen miteinander in Verbindung bringen und einen alternativen, besonderen gemeinsamen Raum finden: Tanz, Musik und Poesie als Zeichen für Partnerschaft und Dialog in einer zunehmend gehässigen Welt.

Konzept, Regie und Performance: Anne Teresa De Keersmaeker und Rabih Mroué
Technische Leitung, Sound und Licht: Thomas Köppel

Produziert und in Auftrag gegeben vom Festival d’Automne à Paris (FR), Dezember 2024

In Partnerschaft mit L’Orient-Le Jour (LB)

Koproduktion: MC93 – Maison de la culture de Seine-Saint-Denis (FR) und Fondation Fiminco, Paris (FR)

Dauer: 70 Min

Preise: 36 Euro
Ermäßigt: 30 Euro
]]> Sun, 19 Jul 2026 15:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255669&aktuell=true seg255669-1784473200@culturall.de
Furcht ist für diese Ausnahmetänzerin ein Fremdwort. Vielleicht, weil sie die blinden Flecken um uns herum spürt und sich ihnen stellt, denn: „Tanzen ist ein Duett mit der Leere.“ Nach ihrer stilprägenden Traumkarriere in den 1980er und 1990er Jahren mit der Compagnie La La La Human Steps hat sie in die Finsternis einer existenziellen Krise geschaut und sich aus dem Tief wieder emporgearbeitet. Seit 2006 beeindruckt sie mit ihrer eigenen Compagnie Fou Glorieux und Werken wie So Blue, Battleground oder Stations. In diesem neuen Solo wird sie zur Vagabundin, die ihren unbändigen Freiheitsdrang zur Musik zwischen Dawn of Midi und Nick Cave auslebt. Temperamentvoll experimentiert Lecavalier mit Kostüm-Transformationen und Videoprojektionen und spielt ihren enormen Reichtum an Bewegungsmaterial aus.

Choreografie und Performance: Louise Lecavalier
Probenleitung und choreografische Assistenz: France Bruyère
Licht- und Videodesign: Jean-François Piché
Musik: Dawn of Midi, The Black Dog, Antoine Berthiaume, Kiasmos, Nils Frahm, Trentemoller und Nick Cave
Musikalische Beratung: Patrick Lamothe
Künstlerische Beratung: François Blouin
Kostüm: Yso und Elizabeth Duran
Video: Marlene Millar

Produktions- und technische Leitung: François Marceau

Produktion: Fou Glorieux

Koproduktion: tanzhaus nrw Düsseldorf (DE), Hellerau Dresden (DE), FTA Montréal (CA) und National Arts Center Ottawa (CA)

Die Compagnie Fou Glorieux wird unterstützt vom Conseil des arts et des lettres du Québec (CA), vom Canada Council for the Arts (CA) und vom Montreal Arts Council (CA).

Dauer: 65 Min

Preise: 10 / 18 / 26 / 34 / 42 Euro
Ermäßigt: 8 / 15 / 22 / 28 / 35 Euro]]> Sun, 19 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255011&aktuell=true seg255011-1784480400@culturall.de
Bevor Samir Kennedy sich dem zeitgenössischen Tanz zuwandte, war er im Musiktheater zu Hause. Seine Liebe zur Musik fand er bei einem Konzert mit dem Grundschulchor, „als eine Stimme seinen Mund verließ, die nicht seine eigene zu sein schien.“ In The Aching steht diese Stimme erneut im Mittelpunkt, und wieder geht es darum, etwas Anderes, ihn selbst Übersteigendes zu kanalisieren, anzurufen: einen geliebten, verstorbenen Menschen, eine Leerstelle, die alles einzunehmen droht. Choreografische Klarheit und Ruhe verbinden sich mit britischen, irischen und amerikanischen Folksongs zu einem intimen „gestischen Experiment“. Aber obwohl Kennedy solo singt und tanzt, erscheint Trauer nicht nur als vereinzelnde Kraft: Sein Requiem ist auch der Versuch, sie mit Anderen zu teilen und somit zu transformieren.

Konzept, Performance und Sound: Samir Kennedy
Outside Eye: Simon Vincenzi
Produktion: Marie L’Hotellier

Dauer: 60 Min (inkl. Film, Performance: 45 Min)

Preise: 24 Euro
Ermäßigt: 20 Euro

Gesang in englischer Sprache.

Diese Performance enthält explizite Inhalte und laute Musik.]]> Sun, 19 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255670&aktuell=true seg255670-1784480400@culturall.de Void haarsträubende innere und äußere Zerreißproben zum Vorschein. Und nimmt durch die Objektive jener, die, wie Vandekeybus sagt, „nicht den erwarteten Weg gehen, sondern auf faszinierende Weise davon abweichen“, größere gesellschaftliche Themen ins Visier.

Regie und Choreografie: Wim Vandekeybus
Mitarbeit und Performance: Iona Kewney, Lotta Sandborgh, Cola Ho Lok Yee, Paola Taddeo, Adrian Thömmes, Hakim Abdou Mlanao und Babette Verbeek
Künstlerische Assistenz und Dramaturgie: Margherita Scalise
Choreografische Assistenz: Maria Kolegova
Originalmusik und Sounddesign: Arthur Brouns
Bühnenbild: Wim Vandekeybus (Konzept) und Pepijn Mesure (Umsetzung)
Lichtdesign: Wim Vandekeybus und Benjamin Verbrugge
Kostümdesign: Isabelle Lhoas
Assistenz Kostümdesign: Juliette Lejeune
Technik: Schröder, Pepijn Mesure und Benjamin Verbrugge

Musik
Violine: Kristofor Parvanov
Kontrabass: Fil Caporali
Percussion: Simon Leleux
Schlagzeug: Daniel Jonkers
Zusätzliche Musik: Lander Gyselinck – Hihats In Trees und Obsequies

Distribution: Julia Bouhjar
Produktion: Heleen Schepens und Kenneth Raemaekers
Koproduktion: KVS Brussels’ Flemish City Theatre (BE), Danseu Festival (ES), Theater im Pumpenhaus Münster (DE) und Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale (IT)

Mit Unterstützung des Tax Shelter der Belgischen Regierung (BE)

Besonderer Dank an Thi-Mai Nguyen, Jerry Killick und das European Theatre and Film Institute

Ultima Vez wird von der Flämischen Gemeinschaft und der Flämischen Gemeinschaftskommission (VGC) (BE) unterstützt

Dauer: 90 Min
Preise: 8 / 10 / 16 / 24 / 32 / 39 / 52 Euro
Ermäßigt: 6 / 8 / 13 / 20 / 27 / 33 / 44 Euro

Empfohlen ab 12 Jahren.
In englischer, finnischer und schwedischer Sprache.
Diese Performance enthält Theaternebel und laute Musik.]]> Sun, 19 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255033&aktuell=true seg255033-1784487600@culturall.de 16 - ImPulsTanz Classic
18 - Uraufführung

Eine Feier des chinesischen Jahres des Drachen und eine Welturaufführung im Burgtheater prägen diesen Abend des TAO Dance Theater. Die von dem Choreografen Tao Ye und der Tänzerin Duan Ni in Beijing gegründete Gruppe wurde 2023 mit dem Silbernen Löwen der Biennale di Venezia ausgezeichnet. „Das Wesen der Kunst besteht darin, der Angst entgegenzuwirken, die durch das Vergehen des Lebens hervorgerufen wird“, schreibt Tao Ye und ergänzt: „In der Kunst geht es nicht darum, etwas Neues zu erfinden – da jeder flüchtige Moment vergeht, hört das ,Neue‘ nie auf, noch neuer zu werden, und das ,Alte‘ existiert nie wirklich.“ Seine Werke sind von einem speziellen, minimalistisch wirkenden, aber dynamischen und für die Tanzenden äußerst herausfordernden Stil getragen. In dem von dem Drachentanz Loong inspirierten Stück 16 wirbeln ebenso viele schwarz gekleidete Tänzer:innen durch farbiges Licht und formen das mythische Glücksmonster. Und in der Uraufführung von Nummer 18 wirkt feinste Mathematik für ein Experiment mit der Idee von unendlicher Bewegung und den Möglichkeiten eines grenzenlosen Raums.

Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.

16
Choreografie: Tao Ye
Performance: Xu Fujin, Cheng Leting, Wu Zhenkai, Lu Wenchao, Wang Jingping, Jia Lixue, Zhang Xi, Lee Yuyun, Bian Yifei, Jiao Xuexu, Gao Yanrui, Xiong Shuai, Zhao Xueyi, Huang Jiabin, Zhong Xiawei, Wu Yongle, Tan Chengxin
Musik: Xiao He
Licht: Tao Ye
Kostümdesign: Duan Ni
Kostümherstellung: DNTY

Ko-Produktion: La Biennale di Venezia
Mit der Unterstützung von Dance Reflections By Van Cleef & Arpels

18
Choreografie: Tao Ye
Performance: Huang Qiqi, Xu Fujin, Cheng Leting, Wu Zhenkai, Lu Wenchao, Wang Jingping, Jia Lixue, Zhang Xi, Lee Yuyun, Bian Yifei, Jiao Xuexu, Gao Yanrui, Xiong Shuai, Zhao Xueyi, Huang Jiabin, Zhong Xiawei, Wu Yongle, Tan Chengxin
Musik: Xiao He
Licht: Tao Ye
Kostümdesign: Duan Ni
Kostümherstellung: DNTY

Ko-Produktion: ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival
Mit der Unterstützung von Dance Reflections By Van Cleef & Arpels

Künstlerische Leitung: Tao Ye und Duan Ni
Geschäftsführung: Wang Hao
Probenleitung: Duan Ni
Visuelle Leitung & Fotografie: Fan Xi
Technische Leitung: Dong Huoliang
Projektkoordination: Liu Yexuan
Performance Koordination: Tina Zhang
Touring-Assistenz: Huang Xiaolu

Dauer: 80 Min (mit 15 Min Pause)]]> Mon, 20 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255030&aktuell=true seg255030-1784566800@culturall.de
Ole Meland nennt seine Gruppenperformance JEG BRAKK eine „Initiierung“. Es ist die Suche nach der „Möglichkeit von etwas Anderem. Etwas Wildem. Etwas Ganzem.“ Zugleich verweist der norwegische Titel, der soviel wie „Ich bin kaputtgegangen“ bedeutet, auf ein Ende. Was immer hier zu Bruch gegangen ist – der Einschlag scheint noch nicht verwunden: Fünf Gestalten sind versprengt, verzerrt und stehen Kopf, wollen sich neu formieren. Meland, der neben seiner Arbeit als Choreograf auch seit 2006 in jeder Produktion der berühmten norwegischen Compagnie Carte Blanche getanzt hat, beweist in JEG BRAKK sowohl ein großes Talent für choreografische Komposition als auch einen Sinn für grotesken Humor. Und: Das international gefeierte elektronische Musikduo Smerz steuert einen fantastischen Soundtrack bei.

Idee, Konzept und Choreografie: Ole Meland
Performance: Charlott Utzig, Sebastian Biong, Aslak Nygård, Irene Theisen und Ole Meland
Musik: Smerz
Licht: Silje Grimstad
Sound: Gunnar Innvær

Koproduktion: BIT – Bergen Internasjonale Teater (NO), Dansens Hus Oslo (NO), RAS – Regional Arena for Samtidsdans (NO), Rosendal Teater (NO) und Carte Blanche (NO)

Unterstützt durch Kulturdirektoratet / Arts and Culture Norway (NO), Norsk Komponistforening (NO), Bergen Dansesenter (NO) und Bergen Kommune (NO).

Dauer: 65 Min

Preise: 14 / 20 / 28 Euro
Ermäßigt: 11 / 17 / 23 Euro

Diese Performance enthält Theaternebel, laute Musik und stellenweise völlige Dunkelheit.]]> Mon, 20 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255666&aktuell=true seg255666-1784574000@culturall.de Entepfuhl, mit der sie ihr Studium bei La Manufacture in Lausanne abschloss, durch die Schweiz, Italien, Frankreich und UK tourte. Auf ihr gefeiertes Solo folgt nun ein Duett. Für States of bewilderment tut sich Arshi mit der Performerin Juliette Uzor zusammen. Und gerade dieses „Zusammentun“ steht im Zentrum des Stücks; wie die Widersprüche, die schon in jedem einzelnen Körper herrschen, sich im Versuch der Annäherung an einen zweiten multiplizieren, bis zur Verzweiflung verwirren und verheddern, aber manchmal, ganz vielleicht, sogar klären? In aufmerksamer, sinnlicher und nicht in Worten zu beschreibender Begegnung.

Choreografie: Alina Arshi
Performance: Alina Arshi und Juliette Uzor
Choreografische Assistenz: Marie Jeger
Licht, Raumgestaltung und technische Leitung: Charlotte Roche-Meredith
Sound: Rudy Decelière
Kostüme: Emma Bertuchoz
Outside-Eyes: Kairaan Kika, Micha Goldberg und Stephen Thompson

Produktion: Association Kaam Kaaj
Administration: Ars Longa Agency

Koproduktion: Emergentia / Pavillon ADC Genève (CH) und Arsenic – Centre d’art scénique contemporain (CH)

Partnerschaften: La Ménagerie de Verre Paris (FR) und Rakete Festival / Tanzquartier Wien (AT)

Gefördert von Ville de Lausanne (CH), Loterie Romande Genève (CH) und Fondation Ernst Goehner (CH).

Mit der Unterstützung von Pro Helvetia – Swiss Arts Council (CH).

Dauer: 90 Min

Preise: 24 Euro
Ermäßigt: 20 Euro

Empfohlen ab 16 Jahren.

Diese Performance enthält Nacktheit.

Im Lauf der Vorstellung kommt es an manchen Stellen zu Interaktionen und möglicher physischer Berührung mit dem Publikum.]]> Tue, 21 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255570&aktuell=true seg255570-1784653200@culturall.de
Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Choreografie: Maguy Marin
Performance: zehn Tänzer:innen
Lichtdesign: Alexandre Beneteaud und Albin Chavignon
Kostüme: Louise Marin
Originalmusik: Franz Schubert, Gilles de Binche und Gavin Bryars

Koproduktion: Compagnie Maguy Marin und Maison des Arts et de la Culture de Créteil (FR)

Die Compagnie Maguy Marin wird vom Ministère de la Culture – DRAC Auvergne-Rhône-Alpes (FR) und von der Ville de Lyon (FR) gefördert und erhält für Projekte im Ausland finanzielle Unterstützung vom Institut français (FR). Die Compagnie ist dauerhaft in RAMDAM, UN CENTRE D’ART (FR) ansässig.

Wie viele andere gemeinnützige Organisationen in der Region verlor die Compagnie Maguy Marin 2025 die Unterstützung des Auvergne–Rhône–Alpes Regional Council (FR).

Entwicklunsleitung: Dorothée Alemany
Produktion und Verwaltung: Julia Alquier
Produktion und Vermittlung: Léa Monchal

Lokale und internationale Distribution: A Propic – Line Rousseau und Marion Gauvent

Dauer: 90 Min

Preise: 8 / 11 / 16 / 24 / 39 / 50 / 62 Euro
Ermäßigt: 6 / 9 / 13 / 20 / 33 / 42 / 52 Euro

Empfohlen ab 12 Jahren.]]> Tue, 21 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255004&aktuell=true seg255004-1784660400@culturall.de
Elsa von Freytag-Loringhoven war eine Dadaistin von schillerndem Talent. Im heute polnischen Swinemünde geboren, aktiv bei New Yorks Dada-Bewegung, verstorben 1927 in Paris, war sie ein „wandelndes Kunstwerk“, publizierte Gedichte und war mit Marcel Duchamp befreundet. Heute wird spekuliert, ob die Baronin als Found-Object-Künstlerin die wahre Urheberin von dessen berühmten Urinal-Readymade Fountain (1917) war. Diese spannende Figur beleuchtet nun die ungarische Performerin Boglárka Börcsök gemeinsam mit dem Filmemacher Andreas Bolm. Zuvor hat sich Börcsök unter anderem mit Valeska Gert beschäftigt und war 2022 bei ImPulsTanz im mumok mit der Performance Figuring Age (ebenfalls mit Andreas Bolm) vertreten. SUBJOYRIDE führt auf eine begeisternde Reise in die Dada-Twenties der von Djuna Barnes für die Nachwelt „geretteten“ Baronin, deren Gedichte und Autobiographie sie verlegt hatte.

Künstlerisches Konzept, Dramaturgie, Musik und Bühnenbild: Boglárka Börcsök und Andreas Bolm
Performance: Boglárka Börcsök
Gitarre: Andreas Bolm
Text: Baronin Elsa von Freytag-Loringhoven, Boglárka Börcsök und Andreas Bolm
Licht: Catalina Fernández
Sound: Neda Sanai
Kostüme: SADAK
Technische Leitung: Andreas Bolm
Produktionsassistenz und Requisite: Beatrice Zanesco
Stimmtraining und musikalische Beratung: Vera Jónás
Künstlerische Beratung: Susanne Sachsse
Produktion und Distribution: Nicole Schuchardt und Rodrigo Zorzanelli
3D-Druck „Fountain“: Daniel Valencia Ferrá / Digital Craft
Fotos: Mayra Wallraff

Gedichte von Baronin Elsa Freytag von Loringhoven, auf die in der Performance Bezug genommen wird:
Coachrider (ca. 1924)
Mefk Maru Mustír Daas (1918)
They won’t let go fart (ca. 1923–1925)
Graveyard surrounding nunnery (ca. 1921)
To whom it may concern (ca. 1922)
Fix (ca. 1924–1925)

Der Titel der Performance ist dem Gedicht Subjoyride (ca. 1920–1922) entlehnt.

Eine Produktion von Boglárka Börcsök und Andreas Bolm.

In Koproduktion mit dem Black Box Theater, Oslo (NO), PACT Zollverein, Essen (DE), und Sophiensæle, Berlin (DE).

Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt (DE).

Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ Koproduktionsförderung Tanz, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien (DE).

Mit freundlicher Unterstützung der Tanzfabrik Berlin e.V. (DE) und des Centre Français de Berlin (DE), Kristina Konrad – Weltfilm.

Mit Dank an Dragana Bulut, Jule Flierl und Christiane Hommelsheim.

Dauer: 65 Min

Preise: 20 / 28 Euro
Ermäßigt: 17 / 23 Euro

Empfohlen ab 16 Jahren.

In englischer Sprache.

Diese Performance enthält Nacktheit und Theaternebel.]]> Tue, 21 Jul 2026 21:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255573&aktuell=true seg255573-1784667600@culturall.de
Künstlerische Leitung und Choreografie: Olivia Mitterhuemer
Performance und Co-Kreation: Giulia Aiosa, Farah Deen, Arūnas Mozūraitis und Rachad Zangaba
Recherche: Farah Deen, Darya Kostskina, Ines Reisner, Ramona Peter und Daniel Krümke
Musik-Mix: Manoo
Kostüm und Bühnenbild: Magdalena Neuburger und Olivia Mitterhuemer
Licht und Technik: Robert Schmidjell und Julian Besch

Produktion: Carolin Gstädtner

Eine Koproduktion von Potpourri Dance und dem Toihaus Theater Salzburg (AT).

Gefördert von der Stadt Salzburg (AT), dem Land Salzburg (AT), Bildrecht (AT) und dem Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport (AT).

Unterstützt von Salzburg Verkehr (AT)

Dauer: 40 Min

Preise: 30 Euro
Ermäßigt: 25 Euro

Empfohlen ab 14 Jahren
.
Diese Performance enthält Theaternebel und laute Musik.]]> Wed, 22 Jul 2026 20:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255667&aktuell=true seg255667-1784752200@culturall.de
Hier tanzen nicht Körper zur Musik, hier stellen sie sie selbst her: mithilfe von ausrangierten Orgelpfeifen, die zu den frühesten Klangkörpern der westlichen Musikgeschichte zählen. In der Gruppenperformance Echo Body wird das Aktivieren der Pfeifen durch den Atem, ihre Erweiterung durch den menschlichen Resonanzraum, wiederum zur Choreografie, zum Tanz. Magdalena Forster, die eben den H13 Niederösterreich Preis für Performance bekam, machte schon beim letztjährigen Festival als Performerin in Martina De Dominicis’ Latente Eindruck und wird heuer zudem in Lisa Hinterreithners many in a bed zu sehen sein. Doch die Faszination der in Wien lebenden Künstlerin für den Körper und seine mitunter ritualisiert scheinenden natürlichen Prozesse reicht noch vor ihre Karriere im zeitgenössischen Tanz zurück: in ihre Zeit als Pflegerin.

Konzept und Performance: Magdalena Forster
Performance: Hannah Todt und Valentino Skarwan
Komposition: Milena Georgieva
Produktion: mollusca productions – Eva Holzinger und Sophie Schmeiser
Fotos: Marcella Ruiz Cruz

Dauer: 60 Min

Preise: 24 Euro
Ermäßigt: 20 Euro]]> Thu, 23 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255660&aktuell=true seg255660-1784826000@culturall.de
Wie umgehen mit unterdrückten Erinnerungen an traumatische Erfahrungen, die nach Generationen aus dem Vergessen drängen? Geboren im indonesischen Surabaya, entstammt Grace Tjang einer Familie, die schwer unter dem niederländischen Kolonialismus und der darauf folgenden japanischen Besatzung ihrer Heimat litt: Beide Elternteile wurden von ihren Müttern getrennt. Ihren sehr persönlichen Umgang damit übersetzt Tjang in eine Performance. Hierfür lädt die Needcompany-Mitbegründerin, die bei ImPulsTanz schon wiederholt mit visuell eindrucksvollen Arbeiten bestochen hat, dazu ein, ihren wundervoll gestalteten und zugleich düsteren Garden of Earthly Disquiet zu betreten. In Aya Suzukis Live-Musik, die aus der musikalischen Tradition Indonesiens schöpft, komponiert Tjang fabelhafte Schatten und mythische Motive.

Konzept, Choreografie, Text, Dekor und Video: Grace Tjang
Musik: Aya Suzuki
Performance: Grace Tjang, Sung Im Her, Aya Suzuki, Martha Gardner und Maarten Seghers
Dramaturgie: Elke Janssens
Ton: Bart Aga
Licht: Astrid Vansteenkiste
Künstlerische Assistenz Bild: Emma Van Der Put
Produktionsleitung: Rune Floryn
Kostüme: Sharlotta Seeligmüller und Simon Perotti
Praktikum Assistenz Regie: Liia Kosolovska

Dank an Oscar Van Der Put & Eka Santi Dewi.

Produktion: Needcompany

Mit Unterstützung des Tax Shelter der Belgischen Föderalregierung & der flämischen Regierung.

Needcompany Büro: Pieter D’Hooghe, Elke Janssens, Rune Floryn, Vibe Stalpaert, Joery Scheeper
Künstler:innen: Maarten Seghers, Grace Ellen Barkey, Jan Lauwers, Victor Lauwers
Künstlerische Leitung: Maarten Seghers
Geschäftsführung: Pieter D’Hooghe
Dramaturgie: Elke Janssens
Technische Produktion: Rune Floryn
Tourmanagement und Kommunikation: Vibe Stalpaert
Vertrieb und administrative Assistenz: Joery Scheepers

Dauer: 80 Min

Preise: 10 / 18 / 28 / 38 / 48 Euro
Ermäßigt: 8 / 15 / 23 / 32 / 40 Euro]]> Thu, 23 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255009&aktuell=true seg255009-1784833200@culturall.de
Die Brüsseler Needcompany ist über 40 Jahre hin ein Leuchtturm der belgischen und europäischen darstellenden Kunst. Seit 1999 zeigt die Gruppe um Jan Lauwers, Grace Tjang, Maarten Seghers, Sung Im Her und weitere Protagonist:innen im Needlabp-Format, wie ihre Werke zustande kommen. Wenn die Performances der Company als die „Gemälde“ ihrer Kunst gelten können, dann werden in den jährlichen Needlabps sozusagen die Skizzen dazu präsentiert. So kann das Publikum in ersten öffentlichen Begegnungen Einblicke in die Denk- und Schaffensprozesse gewinnen und zusammen mit den Künstler:innen neues Material für die Arbeiten entdecken. Die Needcompany verspricht „ein Experiment, aber auch eine Einladung zur Neugier; einige Szenen werden erstmals aufgeführt, andere zum allerletzten Mal“. Und sie garantiert: „Alles ist möglich.“

Dauer: 60 Min

Preise: 15 / 22 / 32 Euro
Ermäßigt: 12 / 18 / 27 Euro]]> Fri, 24 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255664&aktuell=true seg255664-1784912400@culturall.de
Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.

13
Choreografie: Tao Ye
Performance: Xu Fujin, Cheng Leting, Wu Zhenkai, Lu Wenchao, Wang Jingping, Jia Lixue, Zhang Xi, Lee Yuyun, Bian Yifei, Jiao Xuexu, Gao Yanrui, Xiong Shuai, Zhao Xueyi, Wu Yongle
Musik: Xiao He
Licht: Tao Ye
Kostümdesign: Duan Ni
Kostümherstellung: DNTY

14
Choreografie: Tao Ye
Performance: Xu Fujin, Cheng Leting, Wu Zhenkai, Lu Wenchao, Wang Jingping, Jia Lixue, Zhang Xi, Lee Yuyun, Bian Yifei, Jiao Xuexu, Gao Yanrui, Xiong Shuai, Zhao Xueyi, Tan Chengxin
Sound Konzept: Tao Ye
Licht: Tao Ye
Kostümdesign: Duan Ni
Kostümherstellung: DNTY

Künstlerische Leitung: Tao Ye und Duan Ni
Geschäftsführung: Wang Hao
Probenleitung: Duan Ni
Visuelle Leitung & Fotografie: Fan Xi
Technische Leitung: Dong Huoliang
Projektkoordination: Liu Yexuan
Performance Koordination: Tina Zhang
Touring-Assistenz: Huang Xiaolu

Dauer: 68 Min (mit 15 Min Pause)
13: 25 Min
14: 28 Min]]> Fri, 24 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255012&aktuell=true seg255012-1784919600@culturall.de
„Du liebes Kind, komm, geh mit mir! / Gar schöne Spiele spiel’ ich mit dir“, verspricht Goethes Erlkönig, dessen jenseitige Kräfte nach dem Knaben in seines Vaters Armen greifen. Und schön sind die Spiele wirklich, die Phia Ménard mit uns spielt! In kindliches Erstaunen versetzt einen der wirbelnde Tanz, den ihre hauchdünnen Plastikgestalten im künstlichen Wind vollführen. Wie in der Ballade jedoch, die unter anderem in der Vertonung Schuberts ihren Weg ins Stück findet, ist der Tanz ein Totentanz – und das Spielen verleiht einem unfassbaren Schrecken Form. Hier ist das vor allem der Schrecken bereits tobender wie drohender Kriege. Dabei findet die französische Künstlerin, die schon bei der documenta vertreten war, sich nicht nur in der Rolle der väterlichen Geschichtenerzählerin wieder, sondern auch in der des Kindes: nocturne (Parade) gedenkt zugleich Ménards eigenem Vater, den sein Zwangsdienst im Algerienkrieg zum lebenslangen Pazifisten machte. Noch ein Hinweis: Auch Kinder lieben dieses Stück!

Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Konzept, Umsetzung und Bühnenbild: Phia Ménard
Künstlerische Mitarbeit: Cécile Briand
Performance: Phia Ménard in Abwechslung mit Cécile Briand und Fabrice Ilia Leroy
Entwurf und Herstellung der Puppen und Objekte: Phia Ménard, Fabrice Ilia Leroy, Cécile Briand und Clarisse Delile
Dramaturgie: Jonathan Drillet
Soundtrack: Ivan Roussel
Lichtdesign: Eric Soyer, assistiert von Gwendal Malard
Windmanagement: Clarisse Delile
Tontechnik: Ivan Roussel oder Manuel Menes
Lichttechnik: Aurore Baudouin oder Mickaël Cousin
Ko-Direktion, Administration und Booking: Claire Massonnet
Stage Management: Olivier Gicquiaud
Künstlerisches Praktikum: Amélia Dantony

Produktion: Compagnie Non Nova – Phia Ménard

Koproduktion: La Comédie de Clermont-Ferrand scène nationale / La Maison de la Danse, Lyon – Pôle Européen de Création / TnBA – Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine / La Comédie, Centre Dramatique National de Saint-Étienne / Scène nationale de l’Essonne / Le Volcan, Scène Nationale du Havre / Théâtre National de Bretagne, Centre Dramatique National (Rennes) / Mixt, terrain d’arts en Loire-Atlantique / Le Théâtre, scène nationale de Saint-Nazaire / Les Quinconces & l’Espal und Scène Nationale du Mans / MC93 – Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis à Bobigny (FR)

Die Compagnie Non Nova – Phia Ménard wird vom französischen Ministerium für Kultur und Kommunikation – DRAC des Pays de la Loire, von der Stadt Nantes, vom Conseil Départemental de Loire-Atlantique, vom Institut français sowie von der Fondation de France für 2025, 2026 und 2027 gefördert.

Die Compagnie Non Nova – Phia Ménard ist derzeit Associated Artist am Théâtre National de Bretagne, Centre Dramatique National (Rennes), an der La Maison de la Danse und der Biennale de la Danse de Lyon sowie an der scène nationale de l’Essonne (FR).

Die Compagnie hat ihren Sitz in Nantes (FR).

Dauer: 65 Min

Preise: 36 Euro
Ermäßigt: 30 Euro

Diese Performance enthält Theaternebel, Stroboskop-Effekte sowie laute Musik.]]> Sat, 25 Jul 2026 14:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255006&aktuell=true seg255006-1784988000@culturall.de
Befreit lachen, mitfühlen und nachdenklich werden, starken Emotionen auf der breiten Leinwand begegnen – so ist das Leben im Kinosaal. Und so ist es auch im Theater bei dieser Hommage an das Kino der hinreißenden Erregungen. Tony Rizzi liebt große oder zumindest vergrößerte Filmmadonnen wie Bette Davis, Mae West und Judy Garland bis hin zu Louise Brooks mit Bubikopf oder Brooke Shields in Die blaue Lagune. Diese lässt er auf der Bühne flimmern und verkörpert sie im Team mit seinem Begleiter Manuel Gaubatz. Allerdings – was sich liebt, das neckt sich – nicht ohne Ironie gegenüber ihrem herrlichen Kitsch. Rizzi tanzt in Erinnerung an künstliche Küsse, leidenschaftliche Dialoge, glorreiche Kostüme und an den jungen, queeren Tony, der einst jeden Samstag im Zauber unzähliger Filme badete. Dazu findet er immer die passenden Worte und Gesten samt Glitzer und Glamour.

Regie, Choreografie, Bühnenbild, Originalfilme, Licht, Text, Musikauswahl, Kostüme, Styling und Performance: Tony Rizzi
Performance: Manuel Gaubatz
Text- und Filmassistenz: Alessandro Costagliogla
Künstlerische Beratung: Tamas Moricz
Compagnie-Management: Kristina Veit

Musik:
You Don’t Bring Me Flowers von Barbra Streisand
My Heart Will Go On von Celine Dion
Movie Star von Róisín Murphy

Dauer: 75 Min

Preise: 20 / 28 Euro
Ermäßigt: 17 / 23 Euro

Empfohlen ab 18 Jahren.

In englischer Sprache.

Diese Performance enthält explizite Inhalte und laute Geräusche.]]> Sat, 25 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255675&aktuell=true seg255675-1785006000@culturall.de
Flammend rote Blüten, breite Krone, ein „Bewahrer von Geschichten“: Das ist der Umuko-Baum, der in Ostafrika wächst – und in Ruanda, dem Geburtsland der Musikerin Dorothée Munyaneza, die 1994 dem Völkermord an den Tutsi nach England entkam. Ihre Karriere als Sängerin und Choreografin machte sie in Frankreich. Wie eng verbunden sich Munyaneza ihrer Herkunft bis heute fühlt, zeigt sie in dieser Mischung aus Konzert und Tanz. Ein magisches, poetisches und zukunftsorientiertes Quintett um die Choreografin und vier junge ruandische Künstler:innen in Kostümen, die an das Leuchten der Umuko-Blüten erinnern.

Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Küntlerische Leitung: Dorothée Munyaneza
Performance und künstlerische Zusammenarbeit: Jean Patient „Nkubana“ Akayezu, Eric „Rud Bass“ Hakizimana, Impakanizi, Abdoul Mujyambere und Cedric Mizero
Musik: Impakanizi, Jean Patient „Nkubana“ Akayezu und Michael Makembe
Tontechnik: Camille Frachet und Aude Besnard
Licht und Bühnenbild: Camille Duchemin
Lichttechnik: Camille Faye, Anna Geneste und Estelle Gautier
Kostüme: Stéphanie Coudert

Produktion: Virginie Dupray – Cie Kadidi, assistiert von Nouria Tirou und Louise Mutabazi

Koproduktion: Dance reflections by Van Cleef & Arpels, Chaillot – Théâtre National de la Danse (FR), Maison de la Danse Lyon – Pôle Européen de création (FR), PACT Zollverein (DE), deSingel (NL), Julidans (NL), Tanz im August / HAU Hebbel am Ufer (DE), Kaaitheater (BE) und Oriente-Occidente (IT)

Mit der Unterstütung des Institut français du Rwanda (FR/RW) und dem Goethe-Institut im Rahmen des Fonds Culturel Franco-Allemand (DE/FR) sowie DRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur (FR).

Dauer: 60 Min

Preise: 20 / 28 / 38 Euro
Ermäßigt: 17 / 23 / 32 Euro

Gesang in Kinyarwanda. Diese Performance enthält laute Musik.]]> Sun, 26 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255620&aktuell=true seg255620-1785085200@culturall.de
Eigens für den White Cube im Untergeschoss des mumok entwickelt, nimmt The Burgeoning („Der Aufschwung“) Edward Muybridges berühmte Bewegungsstudien aus dem 19. Jahrhundert als Ausgangspunkt eines installativen Settings und eines fließenden Raums. Gemeinsam mit rRoxymore (Sound), Stephanie Rauch (Bühnenbild) und Catalina Fernandez (Licht) untersucht Choreograf, Filmemacher und Tänzer Ian Kaler die Beziehung zwischen Echtzeit-Komposition, Licht und dem Sog eines industriell–filmisch–atmosphärischen Techno-Soundtracks. Nach einer Zeit intensiver Beschäftigung mit der Einbindung von Text und Geschichten in seine Choreografien, entsteht im neuen Solo von Ian Kaler ein intensives Tanzsolo zwischen Innenschau und faszinierender Verausgabung. The Burgeoning: Motion Pictures ist ein Versuch, Bewegung zu formen und sie zugleich sein zu lassen – als verkörperte Prosa, als Poesie!

Künstlerische Leitung, Choreografie und Performance: Ian Kaler
Musik und Soundtrack: rRoxymore
Licht: Catalina Fernandez
Raum: Stephanie Rauch
Produktionsleitung: das Schaufenster

Dauer: 40 Min

Preise: 28 Euro
Ermäßigt: 23 Euro

Diese Performance enthält flackerndes Licht und laute Musik.]]> Sun, 26 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255650&aktuell=true seg255650-1785085200@culturall.de
In die Sixties und Seventies des vorigen Jahrhunderts reisen Elisabeth Bakambamba Tambwe und acht ihrer Studierenden an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. Dort unterrichtet Tambwe zusammen mit dem bildenden Künstler Markus Schinwald und der Theaterwissenschaftlerin Ulrike Haß das Fach Performance und künstlerische Forschung. Was Tambwe, bekannt durch Arbeiten wie SelFist, Beyond the Overflow oder Jeanne Dark, dort mit den jungen Künstler:innen erarbeitet, testet die in der DR Kongo geborene Wienerin hier auf neue Art aus. Mit Bezug auf Persönlichkeiten wie Tehching Hsieh, Dan Graham, VALIE EXPORT oder Bruce Nauman entsteht ein „Process Theatre“ zwischen White Cube und Black Box, in dem ein neues Verständnis von Präsenz entstehen und die Geschichte performativen Kunstschaffens umgeschrieben werden könnte.

Künstlerische Leitung und Choreografie: Elisabeth Bakambamba Tambwe

Entwicklung und Performance: Emma Tietze, Erle Blume, Ferry Kummich, Hanna Braun, Lana Koeters, Nicolas Patzer, Sebastian Hesse und Soheil Honarmand

Musik: Ursula Winterauer
Licht: Peter Kutin
Recherche und Dramaturgie: Benoît Jouan
Video-Montage und Dokumentation: David Pujadas Bosch
Produktion: Indra Jäger

Produktion: Dig Up Productions
Koproduktion: Staatliche Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe (DE) und ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival (AT)

Dauer: 90 Min

Preise: 24 Euro
Ermäßigt: 20 Euro

Empfohlen ab 16 Jahren.

In englischer und deutscher Sprache sowie etwas Französisch.
Diese Performance enthält Nacktheit und explizite Inhalte.]]> Sun, 26 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255622&aktuell=true seg255622-1785092400@culturall.de
Konzept und Choreografie: Netti Nüganen
Performance: Netti Nüganen, Pire Sova und Michaela Kisling
Sound: Michaela Kisling
Bühnenbild und Kostüme: Pire Sova
Text: Netti Nüganen
Licht: Klimentina Milenova
Haus-Kostüm: Zody Burke
Eis-Formen: Madlen Hirtentreu
Produktionsleitung: partner in crime und Kaie Küünal

Eine Produktion von Netti Nüganen in Koproduktion mit dem Tanzquartier Wien (AT) und Kanuti Gildi SAAL Tallinn (EE).

Unterstützt durch das Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport (AT), das Estnische Kulturkapital (EE) und das Valmiera Summer Theatre Festival (LV).

Dauer: 75 Min

Preise: 28 Euro
Ermäßigt: 23 Euro

Empfohlen ab 16 Jahren.

In englischer Sprache.

Diese Performance enthält Theaternebel und laute Musik.]]> Sun, 26 Jul 2026 20:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255665&aktuell=true seg255665-1785097800@culturall.de
Von der Europäischen Union finanziert. Die geäußerten Ansichten und Meinungen entsprechen jedoch ausschließlich denen der Autorin oder des Autors bzw. der Autorinnen oder Autoren und spiegeln nicht zwingend die der Europäischen Union oder der OeAD-GmbH wider. Weder die Europäische Union noch die OeAD-GmbH können dafür verantwortlich gemacht werden.

LACE #4

Das Symposium for Dance and Other Contemporary Practices LACE #4: Fractalising Touch ist der letzte Teil eines vierjährigen Bogens, der sich mit soziopolitischen, beruflichen, künstlerischen und therapeutischen Aspekten von Berührung an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Aktivismus befasst. Von der Topografie der Berührung („das Privileg der partiellen Perspektive“) über Gastfreundschaft („wie man Verantwortung mit Anmut begegnet“) bis hin zur Integration („was ist der Unterschied zwischen Theorie und Praxis“) richtet das Symposium seinen weichen Fokus schließlich auf das Interstitium – einen Zustand des fließenden Dazwischen.

Das Interstitium offenbart eine zutiefst beziehungsorientierte und responsive Art, in der Welt zu sein. Die Kuratorinnen Deirdre Morris, Sylvia Scheidl und pavleheidler arbeiten mit Praktiker:innen aus verschiedenen Genres zusammen, um Themen zu erforschen, die häufig mit dem Interstitiellen assoziiert werden: Tensegrität, Faszien, Emergenz, Relationalität, Reaktionsfähigkeit, fließendes Bewusstsein, Fraktalisierung – allesamt auch Merkmale komplexer adaptiver Systeme.

Als praxisorientiertes Symposium lädt LACE #4 Künstler:innen und Forschende nicht nur dazu ein, ihre Arbeit zu beschreiben oder über ihre Forschung zu berichten. Bei LACE beziehen die Künstler:innen und Forschenden alle Teilnehmenden in ein Experiment ein und teilen ihre Beobachtungen durch gemeinsames Tun.

Die Kommunikation erfolgt auf Englisch. Kuratiert von pavleheidler, Deirdre Morris und Sylvia Scheidl.

Programm:
Eröffnung
Symposiumstage
Deep Dives
Touch Base
Weave In & Out

Eröffnung

Die Eröffnung am Montag, 27. Juli 2026, ist eine Open Doors Veranstaltung (alle sind herzlich eingeladen, vorbeizukommen) und gibt allen Interessierten Einblicke in die vier folgenden Tage des gemeinsamen Forschens (Dienstag bis Freitag, 28. bis 31. Juli 2026).

Gastgeber:innen der Eröffnung:
Deirdre Morris, pavleheidler, Sylvia Scheidl

27.7.2026: PART

Symposiumstage

Dienstag bis Freitag, 28. bis 31. Juli 2026, verbinden drei strukturelle Elemente der Wissensgenerierung miteinander: Deep Dives, Touch Base und Weave In & Out.

Deep Dives

Deep Dives sind praxisbasierte Formate, die das beziehungsorientierte Erfahren einer künstlerischen Forschung oder Praxis betonen. Die Künstler:innen, Forschenden und Aktivist:innen teilen ihre Praxis/Forschung mit den Anwesenden:

Amaara Raheem
RESIDENCY PRACTICES: where movement is the main event

Ella Hillström
Knowing the Face Otherwise

Kerstin Kussmaul
What Is Not A Thing (Fascial Ontologies of the Interstitial)

Olive Bieringa
Resisting Extinction

Satu Palokangas
What is a body? cellular beings in relational fields. an ecosomatic inquiry

Stephanié Janaina
Composted Identity

Tia Reihana
Raranga Taniwha: Weaving Story, Reflexivity, and Place

Zrinka Šimičić
Od stanice do zajednice

Touch Base

Touch Base bietet zu Beginn und durch den Tag kollektive, durch Scores gestaltete Zeit, in denen das Material der Deep Dives nachklingen kann – Zeit für verkörpertes Landen, Bewegen, Reflektieren und Integrieren.

Weave In & Out

Weave In & Out am Ende jeden Tages ist moderiert und thematisch an einer Erweiterung der Themen, die in den Deep Dives zutage kommen, ausgerichtet.

Detaillierte Infos zum Programm findest du auf der Website vom Symposium:
https://lacesymposium.com/]]> Sun, 26 Jul 2026 22:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255672&aktuell=true seg255672-1785103200@culturall.de
Dauer: 90 Min]]> Tue, 28 Jul 2026 16:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255625&aktuell=true seg255625-1785254400@culturall.de
Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ Gastspielförderung Tanz International, gefördert von dem Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Konzept, Choreografie und Performance: Ewa Dziarnowska
Performance: Leah Marojević
Sound: Krzysztof Bagiński
Licht: Jacqueline Sobiszewski
Kostüme und Styling: Nico Navarro Rueda und Franziska Acksel
Dramaturgische Beratung: Jette Büchsenschütz
Künstlerischer Dialog: Suvi Kemppainen
Fotos: Spyros Rennt
Videodokumentation: Margarita Maximova

Dank an Maciej Sado

Premiere: 13. Januar 2024, Tanztage Festival in den Sophiensælen, Berlin (DE)

Eine Produktion von Ewa Dziarnowska in Koproduktion mit den Sophiensælen (DE)

Die 33. Tanztage Berlin waren eine Produktion der Sophiensæle, gefördert durch die Senatsabteilung für Kultur und sozialen Zusammenhalt (DE) und den Hauptstadtkulturfonds (HKF) (DE), mit freundlicher Unterstützung der Tanzfabrik Berlin e. V. (DE) und des Theaterhauses Berlin Mitte (DE).

Dauer: 180 Min

Preise: 28 Euro
Ermäßigt: 23 Euro

In englischer Sprache.

Diese Performance enthält Nacktheit, explizite Inhalte, flackerndes Licht, laute Musik und laute Geräusche.
Im Lauf der Vorstellung kommt es an manchen Stellen zu Interaktionen und möglicher physischer Berührung mit dem Publikum.
Das Publikum kann den Raum während der Performance verlassen und wieder betreten.]]> Tue, 28 Jul 2026 16:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255626&aktuell=true seg255626-1785254400@culturall.de Performance Situation Room vereint zwei Arbeiten und Künstlerinnen, die sich mit dem dringenden Bedürfnis nach Ruhe auseinandersetzen. Nach Geduld. Gemeinsam. Kein Rückzug in digitale oder soziale Bubbles, sondern das Teilen von Zeit und Raum, das sowohl sinnliches Vergnügen als auch Widerstand ermöglicht, wie in Ewa Dziarnowskas This resting, patience. Maud Blandel gibt im mumok kino Einblicke in die klanglichen, visuellen und getanzten Materialien ihrer neuesten Arbeit Same Old Songs. Diese verwandelt Virginia Woolfs feministischen Anti-Kriegsessay Drei Guineen (1938), der vom Krieg als patriarchalem Problem ausgeht, in eine psychedelische, energiegeladene Halluzination.

Das Creative-Europe-Projekt Life Long Burning – Futures Lost and Found mit 12 Partnerorganisationen aus 12 Ländern veranstaltet nicht nur das danceWEB International Scholarship Programme und die [8:tension] Young Choreographers’ Series. Die Partner organisieren zudem eine Reihe mit dem Namen „Performance Situation Room“: offene Räume, die Künstler:innen und Publikum gleichermaßen einladen, sich mit Themen von besonderer Dringlichkeit zu befassen.

Das Screening im mumok wird begleitet von einem Gespräch mit den Künstlerinnen.

Von der Europäischen Union finanziert. Die geäußerten Ansichten und Meinungen entsprechen jedoch ausschließlich denen des Autors bzw. der Autoren und spiegeln nicht zwingend die der Europäischen Union oder der Europäischen Exekutivagentur für Bildung und Kultur (EACEA) wider. Weder die Europäische Union noch die EACEA können dafür verantwortlich gemacht werden.

Dauer: 90 Min]]> Wed, 29 Jul 2026 15:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255657&aktuell=true seg255657-1785337200@culturall.de
Hier arbeiten zwei der ganz Großen aus New Yorks Tanzszene zusammen: Altmeister Bill T. Jones, berühmt geworden spätestens ab 1982 mit der Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company sowie durch sein aufsehenerregendes Engagement gegen Homophobie und die Diskriminierung von Aids-Kranken, und der vielfach ausgezeichnete Tänzer-Choreograf und zum zweiten Mal danceWEB Mentor, Raja Feather Kelly. Beide feierten bereits Erfolge bei ImPulsTanz: Kelly unter anderem mit UGLY (Black Queer Zoo), und Jones zuletzt in seinem atemberaubenden Abend As I Was Saying... aus Soli, Duetten und Trios. Nun hat Jones für Kelly als Fortsetzung ihres künstlerischen Austauschs dieses auf- und anregende Solo über Liebe, Erinnerung, Überleben und Zukunft geschaffen. Darin sind Protestsongs aus den Sixties sowie Texte von Kelly und Jones (aus dessen Autobiografie Last Night on Earth) zu hören.

Choreografie: Bill T. Jones
Performance: Raja Feather Kelly

Dauer: 50 Min

Preise: 10 / 18 / 26 / 34 / 42 Euro
Ermäßigt: 8 / 15 / 22 / 28 / 35 Euro]]> Wed, 29 Jul 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255572&aktuell=true seg255572-1785344400@culturall.de
Konzept und Regie: Christine Gaigg
Performance: Manuela Deac, Samuel Feldhandler, Christine Gaigg, Anna Prokopová, Juliane Werner und Frank Willens
Raum und Licht: Philipp Harnoncourt
Sound und Musik: Peter Plessas
Kostüme: Dorothea Nicolai
Dramaturgische Beratung: Wolfgang Reiter
Tontechnik: Gernot Lerchbacher
Produktionsleitung: Lisa Ertl
PR: Eva Trötzmüller / art:phalanx
Grafik: Martina Gaigg
Fotos: eSeL
Kamera: Wolfram Wuinovic

Christine Gaigg / 2nd nature wird gefördert von der Stadt Wien (AT) und vom Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport (AT).

Dauer: 90 Min

Preise: 32 Euro
Ermäßigt: 27 Euro

Empfohlen ab 18 Jahren.

In englischer und deutscher Sprache.

Diese Performance enthält Nacktheit.
Im Lauf der Vorstellung kommt es an manchen Stellen zu Interaktionen und möglicher physischer Berührung mit dem Publikum.]]> Wed, 29 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255576&aktuell=true seg255576-1785351600@culturall.de
Choreografie: Leïla Ka
Performance: Océane Crouzier, Jade Logmo, Justine Agator, Adèle Bonduelle und Lise Messina oder Flore Ruiz-Moiret
Choreografische Assistenz: Jane Fournier Dumet
Kostümdesign: Leïla Ka
Lichtdesign: Laurent Fallot
Lichttechnik: Laurent Fallot, Clara Coll Bigot oder Zacharie Bouganim
Sound: Rodrig Desa oder Sacha Menez-Allanic

Produktion: CENTQUATRE-PARIS (FR) und Cie Leïla Ka

Partner:innen und Unterstützer:innen: La Garance – Scène nationale de Cavaillon, Théâtre Malakoff – Scène nationale, Théâtre d’Angoulême – Scène nationale, Théâtre de Suresnes Jean Vilar – Festival Suresnes Cités Danse 2024, Centre Chorégraphique National d’Orléans – Direction Maud Le Pladec, Centre Chorégraphique National – Ballet de Lorraine, unter der Leitung von Petter Jacobsson, im Rahmen des Accueil-studio, Les Quinconces et L’Espal – Scène nationale du Mans, Espaces Pluriels – Scène conventionnée d’intérêt national Art et création – Danse de Pau, La Manufacture – CDCN Nouvelle-Aquitaine Bordeaux/La Rochelle, La Passerelle – Scène nationale de Saint-Brieuc, Fondation Royaumont, Espace 1789 – Scène conventionnée d’intérêt national Art et création pour la danse de Saint-Ouen, Le Quatrain – équipement culturel de Clisson Sèvre et Maine Agglo und Ville de Gouesnou – Centre Henri Queffélec (FR)

Förderung: Caisse des Dépôts (FR)

Residency Support: Fondation Royaumont / Fondation d’entreprise Hermès

Leïla Ka ist Associated Artist bei La Garance – Scène nationale de Cavaillon (FR), Associated Artist bei DSN, scène nationale de Dieppe (FR) sowie an der MC2, scène nationale de Grenoble (FR).

Die Compagnie wird seit 2024 von der BNP Paribas Foundation unterstützt.

Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.
Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Dauer: 60 Min

Preise: 8 / 10 / 16 / 24 / 32 / 39 / 52 Euro
Ermäßigt: 6 / 8 / 13 / 20 / 27 / 33 / 44 Euro

Empfohlen ab 12 Jahren.

Diese Performance enthält laute Musik.]]> Wed, 29 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255010&aktuell=true seg255010-1785351600@culturall.de
Ein Europa, in dem mit anti-arabischen Stereotypen wieder im großen Stil Stimmung und Politik gemacht werden: Das ist der Kontext, in dem Dominique Teghos the intimacy of collision seine wütende und oft euphorische Kraft entfaltet. Die strengen Rhythmen von Volkstänzen wie der levantinischen Dabke oder dem ägyptischen Baladi treffen in Teghos Trio mit Anthony Nakhlé und Hassandra auf westliche, orientalistische Fantasien, die sich z. B. im berühmten und endlos interpretierten „Tanz der sieben Schleier“ aus Oscar Wildes Drama Salome (1893) auch tief in die Tanzgeschichte eingeschrieben haben. Die libanesische, in Berlin lebende Choreografin „formt einen tanzenden Körper“, der die nicht nur diskriminierenden, sondern noch heute brandgefährlichen rassistischen Klischeebilder „aus dem Gleichgewicht bringt und durchbricht“.

Konzept und Choreografie: Dominique Tegho
Performance und Choreografie: Anthony Nakhlé, Hassandra und Dominique Tegho
Sound: Basel Naouri
Lichtdesign: Marco Ciceri
Lichtadaption: Vito Walter
Lichttechnik: Hanna Kritten Tangsoo
Video: Cynthia el-Hasbani
Kostüme: Mathilda Rejouan – Mounia Studios
Drag-Outfit: Naomi Tarazi
Dramaturgische Unterstützung: Manolis Tsipos, Polyna Fenko und Nima Séne
Outside Eye: Charlie Prince
Produktionsleitung: Tammo Walter
Dabke-Coaching: Nancy Nasreddine
Stimmcoaching: Wafaa Saied
Haare und Make-up: Hassandra

Eine Produktion von Dominique Tegho in Koproduktion mit Sophiensæle (DE).

Unterstützung: Culture Resource Wijhat programme, Goethe-Institut Research Residency Abroad (DE), AIR Burgenland (AT), SHIFT/Telescope Beirut (LB) (ein Creative-Europe-Projekt, kofinanziert von der Europäischen Union), DIORAMA Berlin (DE), Culture Moves Europe, Moving in November Festival (FI) / Uferstudios (DE) und Ausland Berlin (DE)

Dauer: 60 Min

Preise: 18 / 24 Euro
Ermäßigt: 15 / 20 Euro

Empfohlen ab 16 Jahren.

In arabischer und englischer Sprache mit arabischen und englischen Übertiteln.]]> Wed, 29 Jul 2026 20:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255619&aktuell=true seg255619-1785357000@culturall.de
Tanz als lebendiges, bewegtes, sich ständig vergrößerndes Körperarchiv, als „diasporisches Echo“. Joce lebt und tanzt in Genf, oder andersherum: Genf lebt und tanzt in ihm, denn er begreift sich in „endlosem Dialog“ mit den Straßen, durch die er geht, den Menschen, die er trifft, der einzigartigen Kulisse aus Geräuschen, Wünschen und Erinnerungen, die eine Stadt konstituiert. Ein solches Gespräch, eine so feine, durchlässige Wahrnehmung reißt natürlich nicht an der Stadtgrenze ab, sondern erweitert sich, heißt neue Eindrücke anderer Städte willkommen und lässt sie tanzen. So auch bei uns in Wien: In freier Improvisation und begleitet nur von der Soundlandschaft, die aus einer Boombox tönt, bringt der Performer eine spezifische gelebte Erfahrung zum Vibrieren, die zugleich „Zeugnis ablegt für eine Unmenge von anderen.“

Dauer: 45 Min

Preise: 24 Euro
Ermäßigt: 20 Euro

Gesang in englischem, französischem und karibischem Kreol.
Diese Performance enthält explizite Inhalte und laute Musik.]]> Thu, 30 Jul 2026 16:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255652&aktuell=true seg255652-1785429000@culturall.de
Vier junge Menschen treffen sich, um ihre innere Unruhe rauszulassen. Katerina Andreou, Gewinnerin des Prix Jardin d’Europe 2016 bei ImPulsTanz, kommt mit ihrem ersten Gruppenstück zurück nach Wien. Bless This Mess ist ein hochaufgeladenes und daher so richtig elektrisierendes Quartett, in dem eine weite Strecke der Rastlosigkeit nur kurz von einem Moment der Ruhe unterbrochen wird. Das entspricht treffsicher der permanenten Irritation unserer überdrehten Gesellschaft, die stets nach gemeinschaftlicher Zerstreuung giert: Jedes Zusammensein soll am besten legendär sein und wie auf einer Konzertbühne gefeiert werden, ganz so wie bei diesem Tanz in seiner wilden Vitalität. Die in Frankreich lebende Griechin Andreou fängt das Lebensgefühl einer Generation ein, die ihren Platz in den spektakulären Gerüsten ihrer Zeit sucht. Und gewissermaßen auch findet.

Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Konzept: Katerina Andreou
Performance: Katerina Andreou, Lily Brieu Nguyen, Baptiste Cazaux und Mélissa Guex
Sound: Katerina Andreou mit Cristian Sotomayor
Licht und Bühnenbild: Yannick Fouassier
Outside Eye: Costas Kekis
Technische Leitung: Thomas Roulleau Gallais
Produktion und Touring: Elodie Perrin

Dank an Jean-Baptiste Veyret-Logerias und Laura Garnier.

Produktion: BARK

Koproduktion: CCN de Caen en Normandie (FR) im Rahmen des Associated-Artist-Programms, Kunstenfestivaldesarts Brussels (BE), Pavillon ADC – Genève (CH), Athens Epidaurus Festival (GR), T2G théâtre de Genevilliers (FR), Festival d’Automne à Paris (FR), Next Festival, Les SUBS – lieu vivant d’expériences artistiques Lyon (FR), Maison de la Danse, Lyon – Pôle européen de Création (FR), KLAP Maison pour la danse à Marseille (FR), CCN de Grenoble im Rahmen von Accueil-studio (FR), CCNR, Centre chorégraphique national de Rillieux-la-Pape (FR) und ICI—CCN Montpellier Occitanie / Leitung: Christian Rizzo (FR)

Residencies: Espace Pasolini (FR) und Kunstencentrum BUDA Kortrijk (BE)

Unterstützung von Direction régionale des affaires culturelles Auvergne Rhône-Alpes (FR), Caisse des Dépôts (FR) und Dance Reflections by Van Cleef & Arpels.

Bless This Mess wurde zum Teil im Performancelabor The Watermill Center (US) entwickelt, im April 2023.

Premiere: 30. Mai 2024, Kunstenfestivaldesarts in Brüssel (BE)

Dauer: 55 Min

Preise: 18 / 26 / 36 Euro
Ermäßigt: 15 / 22 / 30 Euro

Empfohlen ab 12 Jahren.

Diese Performance enthält Theaternebel und laute Musik.]]> Thu, 30 Jul 2026 17:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255654&aktuell=true seg255654-1785432600@culturall.de
„Die Zeit wandelt sich, trotzdem hat sich nicht viel verändert“, stellt Eun-Me Ahn, eine Protagonistin des zeitgenössischen koreanischen Tanzes, fest. Sobald sich simple Klischees über „exotische“ Kulturen in den Deutungskanon eingegraben haben, ist es schwer, diesen wieder davon zu befreien. Genau dieser Aufgabe aber stellt sich Ahn in diesem so stürmischen wie farbenfrohen Tanz. Orientalismus gibt es nicht nur im Westen, erläutert sie, sondern auch zwischen den unterschiedlichen Kulturen Asiens. Daher funktioniert der Post-Orientalist Express sowohl hier wie dort als Brücke zu besserem gegenseitigen Verständnis. „Dialog statt Einheitlichkeit“, lautet Ahns Motto. Die als „Asiens Pina Bausch“ gefeierte Künstlerin arbeitet mit Unterschieden und Spannungen: „Der Yin-Yang-Kreis kreuzt die gerade Linie des Noh, ein Kathakali-Mudra erstreckt sich zwischen beiden.“ Aus solchen Dissonanzen, einem unglaublichen Tempo und einer Feier der Popkultur entsteht als ganz neuer Rhythmus ein „interasiatischer Tanz“. Was dabei jetzt im Burgtheater herauskommt, ist ein glanzvoller Rausch für die Sinne und echter Fortschritt des kulturellen Austauschs.

Mit der Unterstützung von Dance Reflections von Van Cleef & Arpels.

Choreografie und künstlerische Leitung: Eun-Me Ahn
Musik: Young-Gyu Jang
Lichtdesign: Jinyoung Jang
Videoregie: Taeseok Lee
Bühnenbild und Kostüme: Eun-Me Ahn
Technische Leitung (Produktion): Jimyung Kim
Meta-Dramaturgie: Geun-Jun Changwoo-Michael Lim
Kostümherstellung: Yunkwan Design
Requisiten: Dongyoung Kim
Produktionsassistenz: Sungbin Kim

Performance: Eun-Me Ahn, Hyekyoung Kim, Yongsik Moon, Uiyoung Jung, Deokyeong Kim, Gaon Han, Jeonghwan Oh, Hyeonseo Lee und Seyeon Kim

Produktion: Eun-Me Ahn Company
Koproduktion: Sejong Center for the Performing Arts (KR), Berliner Festspiele (DE), Théâtre de la Ville – Paris (FR), Les Théâtres de la Ville de Luxembourg (LU), Théâtre d’Orléans / Scène Nationale (FR) und Sydney Festival (AU)

Dauer: 80 Min

Preise: 8 / 12 / 18 / 34 / 52 / 65 / 78 Euro
Ermäßigt: 6 / 10 / 15 / 28 / 44 / 55 / 66 Euro

Diese Performance enthält Theaternebel, plötzliche Lichtwechsel sowie gelegentliche Stroboskop-Effekte.]]> Thu, 30 Jul 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255624&aktuell=true seg255624-1785438000@culturall.de
Dauer: 330 Min

Preis:
€ 15 / € 10 mit Workshop-Pass
Das Ticket zur [8:tension]-Party beinhaltet zudem den Eintritt zur Festival Lounge im Burgtheater Vestibül am selben Abend, vorbehaltlich verfügbarer Kapazitäten.]]> Thu, 30 Jul 2026 20:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255566&aktuell=true seg255566-1785441600@culturall.de
„Schluss mit lustig.“ So könnte man den Titel dieses Noise-Manifests übersetzen, auch wenn das etwas salopp klingt angesichts der Komplexität, mit der die Griechin Chara Kotsali ihren Strich unter die Spaßgesellschaft des Spätkapitalismus zieht. Drei junge Frauen werfen ihre Körper mit vollem Einsatz in eine Choreografie, die Macarena ebenso zitiert wie Parade, Aerobic, rituelle Tänze und Cheerleading. In Zeitsprüngen und mit Referenzen zu Bob Fosse über Trisha Brown bis hin zu Beyoncé entrollt sich subjektive Chronologie von Revolutionen und persönlichen Daten. Das Trio agiert wie in einem absurden Puppenspiel, bemalt sich mit Körperfarben, es wird gerappt, projizierte Texte erscheinen, eine Geburtstagstorte endet im Desaster. Ein starkes Stück, das den Optimismus als Bedrohung und die Geschichte als Farce zeigt.

Die Präsentation der Performance wurde durch das Onassis Stegi Touring Programme unterstützt.

Konzept, Choreografie und Text: Chara Kotsali
Performance und Co-Kreation: Sofia Pouchtou, Christina Skoutela und Chara Kotsali
1. Assistenz Choreografie: Vassia Zorbali
2. Assistenz Choreografie: Clara Aguilar
Sound und Musik: Anna Maria Rammou und Chara Kotsali
Bühnenbild und Kostüme: Periklis Pravitas
Licht: Eliza Alexandropoulou
Dramaturgische Beratung: Dimitra Mitropoulou
Outside Eye: Κοnstantina Georgelou
Line Production: TooFarEast und Chara Kotsali
Touring: Chara Kotsali und Korina Vasileiadou

Die Recherche für IT’S THE END OF THE AMUSEMENT PHASE wurde unterstützt durch Onassis AiR (GR) und Réseau Grand Luxe (FR). Besonderer Dank gilt TROIS C-L Luxembourg (LU), CAMPUS Paulo Cunha e Silva Porto (PO), Grand Studio Brussels (BE) und L’Abri Geneva (CH).

Dauer: 40 Min

Preise: 30 Euro
Ermäßigt: 25 Euro

In englischer und griechischer Sprache mit englischen Übertiteln.

Diese Performance enthält explizite Inhalte, Stroboskop-Effekte und laute Musik.]]> Thu, 30 Jul 2026 20:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255574&aktuell=true seg255574-1785443400@culturall.de
„Bewegung neu denken, Bewegung wieder denken. Viel Bewegung, kein Rückzug mehr.
Weil neue Bewegungssprachen gefunden werden müssen. Und dazu müssen wir unsere Körper wieder verstehen, beanspruchen, um diese Körper zum Tanzen zu bringen. Oder war das immer schon die Aufgabe des ‚Zeitgenössischen Tanz‘?“ (Philipp Gehmacher) Ausgangsmaterial dieses neuen Solos ist ein Tanz, der immer weiter tanzt, kaum Pausen erlaubt, der Rhythmus und Schritte sucht. Nach vielen Jahren wendet sich der Wiener Choreograf und Tänzer Philipp Gehmacher wieder vermehrt der Lust am Tanzen zu. Dazwischen – eine Rede, fast ein Manifest: Wie über Tanz heute sprechen, wie über den Wahnsinn dieser Welt heute sprechen? Auf der Ebene -2 im mumok, in der Architektur des verlassenen Studios der georgischen Künstlerin Tolia Astakhishvili, begegnen wir einer virtuosen Sinnlichkeit, die – in Abwandlung des Titels einer früheren Arbeit Gehmachers im mumok, Die Dinge der Welt, bewegend und neu die Frage nach „den Körpern der Welt“ stellt. Herzergreifende Musik eingeschlossen. „For what has been and what wants to come”.

Choreografie, Performance und Text: Philipp Gehmacher
Musik: Perfume Genius

Die ursprüngliche Version von doors open close wurde im Oktober 2025 im Tanzquartier Wien (AT) gezeigt. Eine erweiterte Version war im Rahmen der SODA Research Sessions am HZT Berlin (DE) und des Symposiums „Rethinking Gesture“ im Zagreb Dance Centre (HR) zu sehen.

Dauer: 60 Min

Preise: 28 Euro
Ermäßigt: 23 Euro

In englischer Sprache.]]> Fri, 31 Jul 2026 16:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255668&aktuell=true seg255668-1785515400@culturall.de
„So sehr wir auch versuchen, uns davon zu befreien: Am Ende bringt uns alles wieder zum Körper zurück.“ Das schrieb 2020 der postkoloniale Theoretiker Achille Mbembe. Im selben Jahr begann Ehsan Hemat mit der Arbeit an seinem Duett mit einer 18kg schweren Kupferplatte. Auch unter der glatt polierten, rätselhaften Oberfläche verbergen sich die Fähigkeiten und Strapazen des menschlichen Körpers, seine Ausbeutung – sowie die Ausbeutung der Erde: Kupfer wird aus den Tiefen von Tagebauminen in Afrika, Süd- und Nordamerika gewonnen. Anstatt sich vom Körper zu befreien, will der iranisch-belgische Künstler diese versteckten Geschichten mithilfe des Körpers wieder freisetzen: Geschickt lenkt er zwischen dem Kupfer und sich Licht, Stimme und Klang, und setzt eine Vision menschlich-nichtmenschlicher Gleichheit eindrucksvoll in Szene.

Choreografie und Performance: Ehsan Hemat
Sound: Roeland Luyten
Dramaturgie: Yasen Vasilev
Bühnenbild: Erki De Vries
Licht: Kurt Lefevre
Stimmtraining: Selma Banich
Technik: Lucas Van de Voorde
Dramaturgische Beratung: Hildegard De Vuyst

Produktion: Julie De Clercq / 2nd to the right
Internationale Distribution: StepTurnMove

Koproduktion: Monty (BE), C-TAKT (BE), MC93 (Maison de la culture de Seine-Saint-Denis) (FR) und DansiT (NO)

Entwickelt bei laGeste (BE).

Mit der Unterstützung der Flämischen Gemeinschaft (BE), STUK (BE) und nona (BE).

Dauer: 50 Min

Preise: 24 Euro
Ermäßigt: 20 Euro

Empfohlen ab 16 Jahren.

Diese Performance enthält Nacktheit.]]> Sat, 1 Aug 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255621&aktuell=true seg255621-1785610800@culturall.de MANSHIN reflektiert sie über Präsenz, Erinnerung, Verlust und Zugehörigkeit. Dabei verschwimmen die Grenzen zwischen kultureller Tradition und digitaler Innovation. Das Ergebnis ist eine mystische Untersuchung des komplexen Seins und dessen Wandel im postdigitalen Zeitalter, für die Performance, Musik und bildende Kunst als gleichwertige künstlerische Mittel eingesetzt werden.

Konzept und Choreografie: Hyeji Nam
Performance: Hyeji Nam und IDKLANG
Licht: Klimentina Li
Sound: IDKLANG
Masken: Una Ryu
Kostüme: Pouran Parvizi
Zusätzliche Kostüme: Nina Mcnab und Markus Steinkellner
Lichtobjekt und Coding: Jonas Bohatsch
Objektherstellung: Mathias Lenz und Larry Meyer
3D-Character-Design: NIVVA
Produktionsleitung: partner in crime

Koproduziert von Hyeji Nam, partner in crime und brut wien (AT).

Unterstützt durch die Kulturabteilung der Stadt Wien (MA 7) (AT), das Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport (AT) und das Korea Kulturzentrum (KO/AT).

Dauer: 60 Min

Preise: 28 Euro
Ermäßigt: 23 Euro

In englischer Sprache.

Diese Performance enthält Theaternebel, Stroboskop-Effekte, laute Geräusche und laute Musik.]]> Sun, 2 Aug 2026 18:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255627&aktuell=true seg255627-1785693600@culturall.de Judson Church Is Ringing in Harlem / Twenty Looks or Paris Is Burning at The Judson Church – so der Titel einer Serie, die seit 2009 Trajal Harrell international bekannt gemacht hat. Harrell hat für ihre verschiedenen Formate als Titel unterschiedliche Kleidergrößen – von XS bis XL gewählt – und so kommt dieses Trio als „Made to Measure“. Und wenn Trajal Harrell der Tanzgeschichte des 20. Jahrhunderts ein Denkmal setzt – so wie hier neben der Ballroom-Szene aus Harlem dem legendären Judson Church Dance Theatre, zu dessen Gründungsmitgliedern etwa Yvonne Rainer, Trisha Brown, Lucinda Childs, Steve Paxton und David Gordon gehören – dann meißelt er nichts in Stein. Er transformiert diese Geschichte, wie es nur atmende, bewegte Körper können, und schenkt ihnen so ein zweites, paralleles Leben. Dabei stützen sich seine historischen Spekulationen auf eine unstillbare Faszination für die kulturellen Zusammenhänge und Magnetismen, die – häufig verborgen – im Tanz wirken. In diesem Meisterwerk mit Thibault Lac und Ondrej Vidlar verleihen die Ballroom-Szene und ihre postmodernistischen Nachbar:innen einander gegenseitig neue Kräfte.

Choreografie: Trajal Harrell
Performance: Trajal Harrell, Thibault Lac und Ondrej Vidlar
Kostüme: complexgeometries
Sounddesign: Trajal Harrell
Technische Koordination und Tontechnik: Santiago Latorre
Diffusion: ART HAPPENS
Management, International Relations und Touring: Björn Pätz (Zürich Dance Ensemble)

Koproduziert von Danspace Project für Platform 2012: Judson@50, MoMA PS1, New York (US), und Tanz im August, HAU Hebbel am Ufer, Berlin (DE)

Residencies: Danspace Project (US) und ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival (AT)

Die Auftragsarbeit Judson Church is Ringing in Harlem (Made-to-Measure)/Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (M2M) wurde ermöglicht durch MoMAs Wallis Annenberg Fund for Innovation in Contemporary Art und die Annenberg Foundation sowie Danspace Projects 2012-2013 Commissioning Initiative, die großzügig gefördert wurde von der Andrew W. Mellon Foundation (US).

Dauer: 65 Min

Preise: 18 / 26 / 36 Euro
Ermäßigt: 15 / 22 / 30 Euro

Empfohlen ab 12 Jahren.

In englischer Sprache.]]> Sun, 2 Aug 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255676&aktuell=true seg255676-1785697200@culturall.de
Ein Versuch, magische Augenblicke einzufangen, im Wissen, dass sie uns trotzdem unweigerlich entgleiten werden. Damit befasste sich der passionierte Flamenco-Fotograf René Robert, der vor vier Jahren auf einer Straße Barcelonas starb und dessen Œuvre José Manuel Álvarez nun ein tänzerisches Denkmal setzt. Aus dem Off ist Roberts Stimme zu hören, während Álvarez als Solotänzer in geisterhaften Projektionen seiner Bilder den Flamenco von Granden wie Antonio Gades, María Pagés, Israel Galván oder Eva Yerbabuena wiederbelebt. Seit 20 Jahren befasst sich Álvarez, der bisher unter anderem auch für die spanische Sängerin Rosalía choreografiert hat, mit dem Flamenco. Jetzt bringt er Roberts auf den Fotos eingefrorene Gesten ans Licht, um sie in Bewegung zu verwandeln und zu zeigen, was in den von dem Fotografen eingefangenen Momenten geschehen sein könnte.

Regie und Performance: Jose Manuel Álvarez
Co-Regie: Marta Piñol
Archiv: René Robert
Visuals: Fausto Morales und Beat Biela (Slide Media)
Choreografische Beratung: Joaquín Collado
Musikalische Komposition: Jose Manuel Álvarez, Lucas Balbo, Carlos Cuenca und Josep Tutusaus
Technische Assistenz: Lucas Tornero
Kostüm: Noel Wals
Fotos (Poster): Amanda Lindgren
Fotos (Performance): Luis Lacau
Video: Andrés Pino

Produktion und Distribution: Flamenco Projects

Dank an die Bibliotèque Nationale de France (FR), Miriam Vallejo, Clara Doucet und Paca Rimbau.

Mit der Unterstützung von Aliansat – SAT! Teatre (ES), ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival (AT) und ICEC Institut Català de les Empreses Culturals (ES).

Dauer: 50 Min

Preise: 30 Euro
Ermäßigt: 25 Euro

Mit französischen und englischen Übertiteln.

Diese Performance enthält Theaternebel und Stroboskop-Effekte.]]> Mon, 3 Aug 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255580&aktuell=true seg255580-1785776400@culturall.de
Diese Künstlerin verschwendet keine Zeit mit Gram und Bitternis. Seit 1948 ist Korea ein geteiltes Land, in dem sich völlig unterschiedliche Gesellschaften entwickelt haben. Als vor knapp einem Jahrzehnt ein Frühling der Annäherung möglich schien, widmete Eun-Me Ahn der ersehnten neuen Entwicklung dieses bezaubernde Stück. Eingeleitet wird es von den delikaten Klängen der koreanischen Zither Gayageum – mit Soon-A Park spielt eine Virtuosin dieses Instruments. Es folgen Szenen, die zeigen, wie feinfühlig und humorvoll Ahn dem nordkoreanischen Tanz, der ganz unter der Kontrolle einer Diktatur praktiziert wird, nachspürt und ihn auf ihre Art neu formuliert: Zuckersüße Fächertänze, die federnden Schritte bei Militärparaden, traditionelle Volkstänze, erstaunliche Akrobatik und Zurschaustellung von Maskulinität durchlaufen eine fröhliche Transformation geradewegs in den Pop. Damals ganz aktuell, zwischen Saitenspiel und Technosound, hoffte die Choreografin mit zehn Tänzer:innen auf eine Wiedervereinigung. Die Erfüllung dieses Traums allerdings steht noch aus.

Choreografie und künstlerische Leitung: Eun-Me Ahn
Musik: Young-Gyu Jang
Künstlerische Beratung: Chun Wooyoung
Bühnenbild und Kostüme: Eun-Me Ahn (Konzept) und Sunny Im / Yunkwan Design (Herstellung)
Lichtdesign: Jin-Young Jang
Videoregie: Jinwon Lee
Technische Leitung (Produktion): Jimyung Kim

Performance: Eun-Me Ahn, Hyekyoung Kim, Yongsik Moon, Uiyoung Jung, Deokyeong Kim, Gaon Han, Sunjae Jo, Jeeyeun Kim, Jaeeun Kim, Hyeonseo Lee und Ei Sul Lee

Musik: Soon-A Park (Gayageum)
Stage Management: Jimyung Kim
Lichttechnik: Sangmin Lee
Video: Taeseok Lee
Produktionsleitung: Jean-Marie Chabot
Produktionsassistenz: Sungbin Kim

Produktion: Eun-Me Ahn Company
Koproduktion: Korean Traditional Performing Arts Foundation (KR) und Théâtre de la Ville – Paris (FR)

Dauer: 75 Min

Preise: 8 / 11 / 17 / 28 / 42 / 54 / 68 Euro
Ermäßigt: 6 / 9 / 14 / 23 / 35 / 45 / 57 Euro

In koreanischer Sprache mit englischen Übertiteln.

Diese Performance enthält plötzliche Lichtwechsel.]]> Mon, 3 Aug 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255623&aktuell=true seg255623-1785783600@culturall.de
Was können uns ein humanoider Nussknacker, ein Burlesque-Showgirl und ein verschmitztes Zebra über unsere gegenwärtige politische Gemengelage verraten? Gabrielle Levies Solo Winter Quarters gewährt Einblicke in die Mechanismen unserer Gesellschaft des Spektakels, in der Körper, die von einer künstlich konstruierten Norm abweichen, verteufelt und zur Sensation erklärt werden, während der Größenwahn einiger weniger Mächtiger Tagesgeschäft bleibt. Dafür besinnt sich Levie, die sich selbst als „Performerin und Requisitenbauerin“ bezeichnet, auf die Wanderzirkusse des 19. und frühen 20. Jahrhunderts zurück, die lang vor der uns bekannten medialen Dauerbeschallung die Massen unterhielten. Als immer neue Charaktere in immer neuen Kostümen vollführt Gabrielle Levie meisterinnenhaft eine Reihe fauler, aufschlussreicher Tricks.

Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Künstlerische Leitung, Performance und Requisiten: Gabrielle Levie
Installation: Théo Pézeril
Stimme: Noé Leleu
Kostüme: Yvan Zimmermann und Noa Pearce di Sanzo
Musik: Alejandro Ferrandiz und Sami Robert
Studioaufnahme: Lucien Krampf
Studioassistenz: Yanis Antonacci
Prothesen: Loïse Hulin

Residency: Ménagerie de Verre, Paris (FR)

Dauer: 45 Min

Preise: 24 Euro
Ermäßigt: 20 Euro

In englischer Sprache.]]> Mon, 3 Aug 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255008&aktuell=true seg255008-1785783600@culturall.de
Wann wird der Druck in unserer Gesellschaft zu groß, wann formt der Geist seine Willigkeit in Widerstand um und zieht den überstrapazierten Körper mit? Eine brennend aktuelle Frage, die in dieser Spin-Off Version der neuen Performance HOLD&RESIST der Wiener Compagnie Liquid Loft nachdrücklich und eindrucksvoll gestellt wird. Nach seiner Kremser Frühlings-Uraufführung beim donaufestival kommt das Stück in einer konzentrierten Version und mit veränderter Musik jetzt auch nach Wien. Nach dem weiten Kirchenraum in Krems zum Sound der Noise-Legenden Radian entsteht im White Cube im mumok-Keller eine intensive Klangwelt aus den Körpersounds der fünf beeindruckenden Tänzer:innen, die jedes Zittern, jeden Schritt, jedes Hold und Resist akustisch ins Dringliche übersetzt.

Künstlerische Leitung und Choreografie: Chris Haring
Komposition, Electronics und Spatialisierung: Andreas Berger
Performance und Choreografie: Coralie Bénard, Jackson Carroll, François-Eloi Lavignac, Katharina Meves und Hannah Timbrell
Bühnenbild: Thomas Jelinek
Kostüme: Stefan Röhrle
Text: Thomas Edlinger und Andreas Spiegl
Stage Management: Roman Harrer
Compagnie-Management: Christina Panholzer
Foto- und Videodokumentation: Michael Loizenbauer
Dramaturgie: Judith Thaler
Social Media: Valentina Diaz
Künstlerische Mitarbeit: Mona Gablenz und Aldo Giannotti

Dauer: 60 Min

Preise: 32 Euro
Ermäßigt: 27 Euro]]> Tue, 4 Aug 2026 17:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255658&aktuell=true seg255658-1785862800@culturall.de Süd- und Nordkorea leben seit Jahrzehnten unter einem Waffenstillstand. Obwohl sie dieselben Wurzeln und Traditionen teilen, haben sie sich unter dem Einfluss unterschiedlicher Ideologien entwickelt, die durch den Lauf der Geschichte und die langjährige Spaltung geprägt wurden.
Über Nordkorea weiß man nur sehr wenig. Für südkoreanische Künstler:innen ist es sehr schwierig, wenn nicht gar unmöglich, die Grenze ohne staatliche Genehmigung zu überqueren. Das Internet ist jedoch voll von Videos aus dem Norden: Militärparaden und Fächertänze, Gesten, die Männlichkeit demonstrieren, virtuose Akrobatik, traditionelle Tänze und Dorftänze. Anhand dieses Materials macht sich Eun-Me Ahn die Bewegungen und Codes zu eigen, schafft ihr eigenes farbenfrohes Zeichensystem und nutzt die Kraft des Tanzes, um sich vorzustellen, was jenseits der Teilung liegt.

Dauer: 60 Min

Eintritt frei

Gespräch mit der Künstlerin, Choreografin und Tänzerin Eun-Me Ahn über die Entstehung, Hintergründe und das Abenteuer der Performance von North Korea Dance.]]> Wed, 5 Aug 2026 17:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255571&aktuell=true seg255571-1785951000@culturall.de
Letzten Sommer hat Amala Dianor mit seiner Crew bei der Open-Air-Eröffnung von ImPulsTanz im MuseumsQuartier begeistert und danach mit DUB im Volkstheater noch einen draufgesetzt. Wir freuen uns, den französischen Choreografen schon dieses Jahr wieder begrüßen zu dürfen – sogar mit einer Uraufführung! In Underflow – seiner Weiterführung von DUB – lässt er tänzerisches Temperament auf packende Musik treffen und bringt den Underground aus Clubs und experimentellen Community-Räumen in den historischen Volkstheater-Saal. Stile wie HipHop, Waacking, Krump, Coupé-décalé oder Pantsula, die außerhalb institutioneller Kontexte gedeihen, werden kombiniert und weiterentwickelt: „nicht als vereinheitlichte Form, sondern als Raum der Koexistenz, des Zuhörens und der gemeinsamen Transformation“ (Dianor). Als DJ und Live-Musiker steht Dianor dabei wieder Awir Leon zur Seite, der heuer auch bei unseren «biggest expressions ever’26» im Arkadenhof des Rathauses für Stimmung sorgen wird.

Mit Unterstützung des Institut français à Paris und des Institut français d’Autriche.

Choreografie: Amala Dianor
Live-Musik: Awir Leon
Performance: Slate Hemedi Dindangila, Romain Franco, Jordan John Hope, Enock Kalubi Kadima, Mwendwa Marchand, Kgotsofalang Joseph Mavundla, Sangram Mukhopadhyay, Tatiana Gueria Nade, Yanis Ramet, Germain Zambi und Asia Zonta
Licht: Nicolas Tallec
Sound: Emmanuel Catty
Administration: Valérie Pouleau
Tourmanagement: Lucie Jeannenot

Produktion: Compagnie Amala Dianor / Kaplan, gefördert vom französischen Staat – DRAC Pays de la Loire (FR); Stadt Angers (FR). Die Compagnie Amala Dianor erhielt außerdem Unterstützung vom Institut français (FR) und von Onda – Office national de diffusion artistique (FR). Die Compagnie wird seit 2020 zudem von der BNP Paribas Foundation gefördert. Amala Dianor ist seit September 2025 Associated Artist an der MC2: Maison de la Culture de Grenoble (FR).

Partner:innen der Produktion: Fondation BNP Paribas unter dem Dach der Fondation de France; Stadt Angers; Région Pays de la Loire, État DRAC. Einige Tourneen werden von ONDA unterstützt.

Residency Support: POLE-SUD – CDCN Strasbourg (FR) und CNDC – Angers (FR)

Dauer: 60 Min

Preise: 8 / 11 / 16 / 24 / 39 / 50 / 62 Euro
Ermäßigt: 6 / 9 / 13 / 20 / 33 / 42 / 52 Euro]]> Thu, 6 Aug 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255005&aktuell=true seg255005-1786042800@culturall.de
In der Performance der österreichischen Choreografin Lisa Hinterreithner geht es um die lustvolle Begegnung mit Pflanzen und Erde, um spielerische Intimität. Allerdings nicht nur auf das Zwischenmenschliche. In many in a bed begegnet das Publikum Formen von artenübergreifenden Affären irgendwo zwischen Blütezeit und Verwesung. Wie so oft in Hinterreithners Arbeiten ist es eine spielerische Neugierde, welche sie und die Performer:innen Magdalena Forster, Theo Emil Krausz und Carla Rihl antreibt. In dieser neuen Arbeit geschieht das in einem installativen Setting mit durchaus paradoxen Natur-Objekten. Äste, Erdkugeln oder Früchte treffen auf Plastik, Organisches auf all die künstlichen Partikel, die längst auch Teil unserer Körper sind. Stets auf der Suche nach libidinösen Begegnungen mit einem vielleicht „botanischen Unterbewussten“, entsteht ein Raum, der gleichermaßen sinnlich wie entschleunigend wirkt. Wie tröstlich kann mehr-als-menschliche Erotik sein – und wie lässt sich eine Pflanze küssen?

Die Performance ist Beginn einer Serie, die in weiteren Stationen in Wien und Salzburg neue Begegnungsformen entwickeln wird.

Künstlerische Leitung, Recherche und Setgestaltung: Lisa Hinterreithner
Kreation und Performance: Magdalena Forster, Theo Krausz und Carla Rihl
Setdesign: Eva Sommer
Sound und Komposition: Lisa Kortschak und Elise Mory
Kostüme: Daniela Grabosch
Outside Eye: Andrea Salzmann
Recherche: Markus Gradwohl
Set- und Kostümmitarbeit: Michaela Altweger
Foto- und Videodokumentation: Markus Gradwohl
Produktionsleitung: Kira Koplin
Administration: Sophie Menzinger / Takelage

many in a bed ist eine Koproduktion des Art Lovers e.V., Wien (AT), des Unpredictable Past e.V., Salzburg (AT), und des WUK performing arts, Wien (AT).

Die Produktion ist gefördert durch die Kulturabteilung der Stadt Wien (MA 7) (AT), die Stadt und das Land Salzburg (AT), das Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport (AT) sowie den SKE (AT).

Dauer: 60 Min

Preise: 28 Euro
Ermäßigt: 23 Euro

In englischer Sprache.

Diese Performance enthält Nacktheit.]]> Fri, 7 Aug 2026 16:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255659&aktuell=true seg255659-1786118400@culturall.de
Konzept: maria mercedes (Camilla Schielin und Julia Müllner)
Performance und Choreografie: Camilla Schielin, Julia Müllner und Yoh Morishita
Musik und Sound: Hannah Todt und Lucia Kagramanyan
Kostüme: Alessandro Santi
Licht: Samuel Schaab

Gefördert durch die Kulturabteilung der Stadt Wien (MA 7) (AT) und dem Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport (AT).

Dauer: 60 Min

Preise: 30 Euro
Ermäßigt: 25 Euro

Diese Performance enthält Theaternebel und eine Windmaschine.]]> Fri, 7 Aug 2026 17:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255661&aktuell=true seg255661-1786123800@culturall.de Party ab 22:30

Die Teilnehmer:innen präsentieren gemeinsam mit ihren Dozent:innen die Ergebnisse aus vier Wochen intensiver Workshop-Arbeit – ein lebendiger Abschluss des Festivalsommers, der heuer erstmals im wunderschönen Arkadenhof des Wiener Rathauses stattfindet. Anschließend laden DJs zum gemeinsamen Tanzen und ausgelassenen Feiern von vier erlebnisreichen Workshop-Wochen ein.

Unter dem Ehrenschutz des Wiener Bürgermeisters Dr. Michael Ludwig.

Eintritt zur Party ab 18 Jahren

Preise:
Vorverkauf: € 18 / € 10 mit Workshop-Pass
Abendkasse: € 20 / € 15 mit Workshop-Pass
Tickets sind an allen ImPulsTanz Tageskassen, online und an der Abendkasse (sofern noch verfügbar) erhältlich.]]> Fri, 7 Aug 2026 18:30:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255651&aktuell=true seg255651-1786127400@culturall.de Fri, 7 Aug 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255007&aktuell=true seg255007-1786129200@culturall.de
Histoire(s) du Théâtre VII

Trajal Harrell zählt zu den bedeutendsten Choreografen seiner Zeit. Sein besonderer Stil liegt nicht nur in seinem Blick auf scheinbar weit voneinander entfernte Tanzsprachen, sondern ebenso in seinem feinen Humor. Nach mehr als 20 Jahren hat Harrell endlich den Ort gefunden, um eine Idee zu verwirklichen, die ihn schon lange beschäftigt: Im siebten Teil der Serie Histoire(s) du Théâtre widmet er sich einem zentralen Element seiner künstlerischen Praxis: der Musik. Für den Starchoreografen – und außerordentlichen Tänzer – ist Musik nicht nur Begleitung oder Stimulus für Bewegung, sondern archivierte Erinnerung und Geschichte. Harrell schaut zurück auf Musik, die wichtig war für seine Kunst, und setzt sie in einen neuen Kontext: Was entsteht, nachdem Zeit vergangen ist? Zu erleben ist ein ebenso intimes wie intensives Solo über die Transformation von Körper, Herz und Gedanken über die Zeit hinweg – denn wer zu Musik tanzt, die er liebt, tritt mit vergangenen Versionen seiner selbst in Dialog. Live begleitet von der großartigen portugiesischen Fado-Sängerin Lula Pena kreiert Harrell ein Wiedersehen und -hören, das neuerlich bewegt.

Ein gemeinsames Projekt der Wiener Festwochen | Freie Republik Wien und dem Zürich Dance Ensemble

Choreografie, Performance, Kostüme, Bühnenbild, Licht und Sound: Trajal Harrell
Live-Musik: Lula Pena
Bühnenbild: Nadja Sofie Eller
Licht: Sylvain Rausa
Sound: Santiago Latorre
Dramaturgie: Katinka Deecke
Kostümmanagement: Sally Heard
Bühnenbildassistenz: Eva Lilian Wagner
Produktionsleitung: Björn Pätz / Zürich Dance Ensemble

Im Auftrag und produziert von den Wiener Festwochen | Freie Republik Wien (AT)

Koproduktion: Théâtre Vidy Lausanne (CH), LAC Lugano Arte e Cultura (CH), KunstFestSpiele Herrenhausen (DE), Gessnerallee (CH), Festival d’Avignon (FR), Theater Rotterdam (NL), Tandem Scène nationale (FR), Wiener Festwochen | Free Republic of Vienna und ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival (AT)

Touring-Team
Technische Leitung: Roman Streuselberger
Technische Koordination: Max Rux
Tontechnik: Philipp Bevanda
Tourmanagement: Mascha Euchner-Martinez

Dauer: 60 Min

Preise: 18 / 26 / 36 Euro
Ermäßigt: 15 / 22 / 30 Euro

Empfohlen ab 12 Jahren.]]> Fri, 7 Aug 2026 19:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255677&aktuell=true seg255677-1786129200@culturall.de
Den ganzen Abend über finden kostenlose Tanzklassen statt, gegliedert in folgende Themenblöcke:
→ 17:00 – 19:00 Contemporary
→ 19:00 – 21:00 Technosomatics, Afrobeat
→ 21:00 – 23:00 Waacking, Voguing und House

Unter dem Ehrenschutz des Wiener Bürgermeisters Dr. Michael Ludwig.

Einlass ab 16:15

Anmeldung zur aktiven Teilnahme erforderlich, weitere Informationen dazu folgen demnächst.
Zuschauer:innen sind herzlich willkommen; spontane Teilnahme ist je nach verfügbarer Platzkapazität auch ohne Voranmeldung möglich.]]> Sat, 8 Aug 2026 15:00:00 GMT https://www.culturall.de/_show_offer.php?seite=2913&seg=255567&aktuell=true seg255567-1786201200@culturall.de Sat, 13 Jun 2026 21:35:50 GMT https://www.culturall.de/kultur/wien/auffuehrungen/impulstanz.wien/kulturtermine.html hp4261-1@culturall.de Sat, 13 Jun 2026 21:35:50 GMT https://www.culturall.de/kultur/wien/auffuehrungen/impulstanz.wien/kulturtermine.html hp4261-2@culturall.de